Entrevista Exclusiva Bilíngue com a Artista Turca Songül Soydan para o Portal CH Multiartes

  Por Chris Herrmann 💬

Songül Soydan | Foto: Divulgação

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Entrevista Exclusiva Bilíngue com a Artista Turca Songül Soydan

Quando a arte transforma o que seria descartado em matéria, memória e consciência

Por Chris Herrmann

A arte de Songül Soydan parece nascer justamente no lugar onde muitas pessoas deixam de olhar. Entre fragmentos de metal, cabos, garrafas de vidro, tecidos, papéis e outros materiais descartados, a artista visual turca encontra texturas, cores, formas e possibilidades que podem passar despercebidas aos olhos cotidianos. Seu trabalho em ´mixed media´ e mosaico estabelece um diálogo permanente entre criação artística, natureza e sustentabilidade.

Com sede em Istambul, onde também mantém a Songül Soydan SANAT Atölyesi, seu espaço de criação e compartilhamento, Songül construiu uma linguagem própria a partir da transformação. Sua relação com a natureza, porém, não começou no ateliê. Nasceu ainda na infância, quando a menina que não tinha acesso fácil a materiais artísticos transformava barro em esculturas e folhas, plantas e espinhos em brinquedos.

Formada em Pintura, com mestrado na mesma área e formação específica em pintura a óleo e mosaico tradicional, Songül passou a ampliar sua pesquisa artística ao perceber que um fragmento pode ser muito mais do que aquilo que aparenta ser. Um pedaço de uma lata azul pode se transformar em uma tonalidade de azul; uma escova de cabelo descartada pode sugerir um coral; fragmentos podem deixar de ser resíduos para se tornar matéria de uma nova narrativa.

Songül Soydan em seu Ateliê | Foto: Acervo da Artista

Seu olhar também se voltou para o universo microscópico. Estruturas de asas de borboletas, bicos e línguas de beija-flores e outras formas invisíveis a olho nu passaram a alimentar sua imaginação. Nesse encontro entre o minúsculo e o monumental, entre o que a natureza cria e aquilo que o ser humano descarta, nasceu uma das dimensões mais marcantes de sua produção.

Para Songül, entretanto, sustentabilidade não deve ser apenas uma tendência. Ela precisa fazer parte da vida cotidiana e de uma ética pessoal. A artista acredita que a arte pode modificar a maneira como enxergamos o mundo e, consequentemente, nossa relação com aquilo que nos cerca.

Nesta entrevista exclusiva ao Chris Herrmann Multiartes, Songül Soydan fala sobre suas origens, seu processo criativo, o fascínio pela natureza, a importância do mosaico, o papel da arte diante dos desafios ambientais, seu “estúdio-caverna”, as influências de grandes mestres e a emoção de perceber que sua arte já atravessou fronteiras e chegou ao público brasileiro.

ENTREVISTA COM SONGÜL SOYDAN

1. Chris Herrmann: Sua obra une arte, natureza e sustentabilidade de maneira muito particular. Em que momento você percebeu que esses três elementos passariam a fazer parte da sua identidade artística?

Songül Soydan: Não posso dizer que houve um momento específico em que percebi que esses três elementos seriam a base da minha identidade artística. Acredito que eles foram se desenvolvendo ao longo do tempo, desde a minha infância, moldados pela minha educação, pelas minhas experiências e pela sensibilidade que desenvolvi em relação à vida.

Quando criança, eu passava muito tempo em contato com a natureza. Fazia esculturas de barro e transformava folhas, plantas e espinhos em brinquedos. Cresci em uma família numerosa, com recursos financeiros limitados, e nem sempre era fácil ter acesso a tintas e materiais artísticos. Isso me ensinou que não precisamos necessariamente de materiais prontos para criar arte: podemos transformar tudo aquilo que está ao nosso redor. Quando penso hoje na minha relação com os diferentes materiais descartados que utilizo, consigo perceber que suas primeiras raízes estão na minha infância.

Minha forte conexão com a natureza também se tornou, gradualmente, uma parte importante da minha prática artística. Acredito que somos hóspedes neste planeta. Nenhum hóspede deixa uma casa destruindo e poluindo o lugar que o recebeu. Não somos donos da natureza; fazemos parte dela, e nossas vidas estão interligadas às de outros seres vivos, ao solo, à água e ao ar.

2. Chris Herrmann: Você trabalha com materiais reciclados e objetos do cotidiano. Como acontece o processo de transformar materiais aparentemente comuns ou descartados em obras de arte capazes de despertar emoção e reflexão?

Songül Soydan: Quando olho para um material descartado, muitas vezes não o vejo em seu estado de descarte. De repente, consigo enxergar aquilo em que ele poderia se transformar. Às vezes, o próprio material me inspira de tal maneira que, no instante em que o seguro nas mãos, ele começa a se transformar em outra coisa dentro da minha mente.

Recentemente, por exemplo, quando estava jogando fora uma escova de cabelo velha e desgastada, acabei tirando-a novamente do lixo. As partes plásticas pontiagudas da escova me lembraram a textura de um coral ou de uma planta marinha. Naquele momento, pensei que, se reunisse escovas e pentes semelhantes, poderia criar uma grande forma de planta marinha ou coral. É quase como se o próprio material me dissesse no que quer se transformar.

Peças de metal, cabos, garrafas de vidro e muitos outros objetos passam por um processo semelhante comigo. Às vezes, acumulo tanto material que chego a me sentir uma acumuladora. Então, uma ideia surge em meio a tudo aquilo, e começo a desenhá-la e a levá-la para a tela. No final, objetos que antes eram considerados apenas lixo ganham um novo significado e se transformam em obras de arte.

Para mim, esse processo é um pouco parecido com o de um músico que compõe uma música depois de se inspirar em um som ouvido na natureza. Vejo o vestígio de outra coisa em um pequeno pedaço de material, estabeleço uma conexão entre os dois e crio uma nova obra a partir dessa semelhança.

3. Chris Herrmann: Em muitas de suas criações, é possível perceber referências a estruturas microscópicas, células, plantas e formas orgânicas. De onde nasce esse fascínio pelos detalhes invisíveis da natureza?

Songül Soydan: Meu interesse pelos detalhes invisíveis da natureza faz parte, na verdade, da maneira como enxergo o mundo. Quando comecei a incorporar materiais reciclados às minhas pinturas, o contato com imagens obtidas por microscópio eletrônico representou um momento importante para mim. Fiquei profundamente fascinada pelos detalhes microscópicos, como a estrutura da asa de uma borboleta e o bico e a língua de um beija-flor. Percebi que, dentro de algo que parece comum a olho nu, pode existir um mundo completamente diferente e extraordinário.

Inspirada por essas imagens, produzi durante algum tempo uma série de trabalhos abstratos. Reinterpretei a delicadeza da borboleta e a força e o movimento presentes na estrutura de um beija-flor por meio desses detalhes microscópicos encontrados na natureza. Ao mesmo tempo, comecei a pensar na contradição entre essas formas de beleza e os danos que causamos à natureza. Tornar novamente visível um mundo natural destruído, utilizando justamente os materiais que os seres humanos consomem e deixam para trás, tornou-se uma poderosa forma de expressão para mim.

Acredito que essa mesma abordagem está no centro da maneira como observo os materiais descartados atualmente. Não vejo um objeto apenas pelo que ele é. Observo sua textura, suas linhas, seus espaços, suas repetições e as formas que existem dentro dele. De certa maneira, meu olhar funciona como um microscópio. Talvez por isso tenha sido inevitável que o mundo microscópico da natureza me afetasse tão profundamente.

4. Chris Herrmann: Você também cria trabalhos em mosaico, uma técnica com uma longa tradição artística. O que mais a encanta nessa linguagem e como ela dialoga com suas obras em ´mixed media´?

Songül Soydan: Minha formação artística e meu mestrado são ambos em Pintura. Recebi formação específica em pintura a óleo e trabalhei nessa área durante muitos anos. Depois de estabelecer meu próprio ateliê, porém, quis me desenvolver por meio de diferentes técnicas e explorar novas formas de expressão. Foi então que também recebi formação formal em mosaico tradicional.

Com o tempo, o mosaico tornou-se mais do que uma técnica para mim: tornou-se uma maneira de pensar. O mosaico exige muita paciência, porque pequenos pedaços acabam formando um todo depois de um longo processo de trabalho. A ideia de passar dos fragmentos para um conjunto também está na base dos trabalhos que crio atualmente com materiais reciclados.

Para mim, uma lata de refrigerante, um pedaço de jeans, uma peça de metal ou uma folha de papel descartada ainda não são obras de arte por si mesmos. Simplesmente colocá-los sobre uma tela significaria apenas mudar a localização do material. Eu os fragmento e reinterpreto suas cores, texturas e formas para criar o conjunto.

Assim como pedras, vidro e outros materiais se transformam em uma paleta de cores no mosaico, os materiais descartados são como tubos de tinta para mim. Uma lata azul de bebida, por exemplo, não é simplesmente uma lata aos meus olhos: é um tom de azul. As mudanças de cor que crio em sua superfície com o calor se transformam em diferentes tonalidades desse azul.

Por isso, acredito que minha formação em mosaico tem uma relação muito forte com o trabalho que desenvolvo atualmente. Ela me ensinou não apenas a reunir fragmentos, mas também a enxergar a cor e o potencial existentes dentro deles e a criar um novo todo a partir dessas partes.

5. Chris Herrmann: Vivemos um período de grandes desafios ambientais. Na sua opinião, qual é o papel da arte na conscientização sobre a preservação da natureza e a sustentabilidade?

Songül Soydan: Gostaria, na verdade, de começar esta pergunta com uma frase de Tolstói: “A arte deveria eliminar a violência. Somente ela pode fazer isso.” Eu realmente acredito nessas palavras.

Acredito que o maior poder da arte esteja em sua capacidade de mudar a maneira como as pessoas enxergam o mundo. À medida que desenvolvem seu senso estético e sua sensibilidade, sua relação com a natureza, com outros seres vivos e com o mundo em que habitam também se transforma. Acredito que uma pessoa capaz de reconhecer a beleza e sentir o valor da vida se torna mais sensível à sua destruição.

Quando transformo materiais descartados em obras de arte, não estou apenas reutilizando um material; estou tentando estimular as pessoas a olhar novamente para algo que consideravam sem valor ou inútil. Pode parecer um impacto pequeno, mas, para mim, até mesmo mudar a maneira como uma única pessoa enxerga alguma coisa é muito significativo.

Hoje, por meio das redes sociais e da comunicação digital, podemos levar esse poder transformador da arte a públicos muito mais amplos. Eu estou na Turquia, enquanto você está no Brasil; uma obra de arte nos conectou. Isso, por si só, já demonstra o poder da arte de atravessar fronteiras. Acredito que, ao unir as possibilidades de comunicação atuais à arte, podemos disseminar a sensibilidade estética e a consciência ambiental de maneira muito mais rápida e ampla.

Gostaria de terminar esta pergunta com outra citação, assim como comecei com uma. Nietzsche disse: “Só há uma coisa que deve ser possuída: ou uma alma delicada por nascimento, ou uma alma refinada pela ciência e pelas artes.”

6. Chris Herrmann: Ao longo de sua trajetória, suas obras já participaram de exposições coletivas e individuais. Existe alguma obra ou momento da sua carreira que tenha um significado especial para você?

Songül Soydan: Ao longo da minha carreira, participei de muitas exposições coletivas e individuais. É claro que ver meu trabalho exposto e vivenciar as reações dos espectadores sempre foi muito valioso e prazeroso para mim. Mas alguns dos momentos que têm maior significado para mim estão muito além dos sucessos visíveis externamente; estão escondidos na relação interior que estabeleço com uma obra.

Um desses momentos aconteceu por meio de um trabalho que criei utilizando jeans. Uma empresa de denim me pediu que criasse uma obra para ser exibida em uma de suas feiras. Eu nunca havia trabalhado com jeans antes. Primeiro, pedi um tempo para me familiarizar com o material e estudar o que já havia sido criado com ele, porque não queria repetir algo que já tivesse sido feito. Queria encontrar uma nova forma de expressão que fosse realmente minha.

Visitei a fábrica e recolhi jeans descartados. Caminhei pelas áreas de produção e reuni muitos materiais diferentes, desde partes de máquinas de costura até engrenagens, agulhas, carretéis e diversos acessórios de metal. Depois, espalhei todas essas peças sobre a mesa do meu ateliê e passei dias simplesmente olhando para elas. De certa maneira, estávamos tentando nos conhecer: o material e eu.

Naquela época, eu também atravessava um período de interiorização, redescobrindo a mim mesma e as camadas que havia carregado comigo do passado. Era um momento em que lia muito, pensava profundamente e me questionava. Acredito que todo esse processo interior entrou inconscientemente na obra.

No trabalho resultante, quis expressar como as emoções humanas podem se fragmentar e mudar ao longo do tempo, tornando-se mais mecânicas. A obra é composta por camadas, com peças metálicas surgindo para fora delas. Na superfície existe um mundo mais mecânico e controlado, mas ainda há algo vivo e profundamente humano por baixo.

Essa obra foi importante para mim porque, pela primeira vez, senti que estava utilizando um material não apenas por suas qualidades formais, mas como parte da minha própria transformação interior. O jeans, os fragmentos metálicos e as camadas tornaram-se uma linguagem por meio da qual pude falar sobre mudanças humanas, limites e o mundo invisível que carregamos do passado.

Por isso, o que importou para mim não foi apenas a obra concluída, mas também a transformação que vivi enquanto a criava. Às vezes, uma obra de arte deixa de ser apenas uma obra na vida de um artista e se transforma no registro de um período em que ele descobriu algo sobre si mesmo.

7. Chris Herrmann: Como artista e diretora da Songül Soydan SANAT Atölyesi, qual é a importância de manter um espaço dedicado à criação e ao compartilhamento da arte?

Songül Soydan: Eu chamo meu ateliê de minha “caverna”. Para mim, o ateliê não é simplesmente um lugar onde trabalho; é um espaço onde começa uma transformação interior, onde posso ficar sozinha comigo mesma e criar. Retirar-me para uma caverna me parece uma forma de me afastar temporariamente do mundo exterior e voltar-me para dentro. Para mim, a criação acontece de maneira muito semelhante: absorvo a vida enquanto estou no mundo e depois me retiro para minha caverna e transformo tudo aquilo que assimilei.

Sempre tive um ateliê ao longo da minha vida. Na verdade, sempre que não tive um, transformei o lugar onde estava em um. Mesmo quando viajo por apenas quatro dias, sempre levo um caderno de desenho, algumas aquarelas ou alguns materiais comigo. A qualquer momento, posso querer desenhar alguma coisa ou desenvolver uma ideia. Comparo isso a um fotógrafo que carrega sua câmera consigo. Um artista pode criar em qualquer lugar; uma ideia pode surgir de qualquer lugar. Mas o espaço onde acontecem a produção em grande escala, a concentração prolongada e o verdadeiro surgimento de uma obra continua sendo o ateliê.

Meu ateliê também é um lugar de compartilhamento. Realizo workshops com amigos e com alunos que passam por diferentes períodos comigo. Compartilhar com outras pessoas aquilo que aprendi ao longo dos anos, e às vezes descobri com grande esforço, é uma maneira de multiplicar esse conhecimento. Acredito que aquilo que aprendemos não deve permanecer apenas dentro de nós; o conhecimento continua vivo quando é compartilhado.

Por isso, meu ateliê às vezes é uma caverna, às vezes um santuário, às vezes um lugar onde encontro alunos e amigos, e às vezes um espaço de convivência onde conversamos, nos divertimos ou até assistimos a filmes juntos. Também o chamo de “home studio”. Porque ele é, na verdade, muito mais do que um ateliê: é a própria minha vida.

Acredito que, para criar, às vezes precisamos nos retirar para a solidão. Somos alimentados pelas pessoas, pela cidade e pela natureza lá fora; depois retornamos à nossa própria caverna com todas essas experiências e as remodelamos dentro de nós. Às vezes, criar não exige afastar-se do mundo, mas permanecer consigo mesmo tempo suficiente para transformar aquilo que recebeu do mundo.

8. Chris Herrmann: A arte possui uma linguagem universal, capaz de ultrapassar fronteiras culturais. Como você percebe a recepção do público internacional diante do seu trabalho?

Songül Soydan: Acredito verdadeiramente que a arte é uma linguagem universal. Porque, se a arte não é compartilhada, ela permanece como uma experiência contida no próprio mundo do artista. Você pode criar uma obra em seu ateliê e mantê-la consigo pelo resto da vida; mas, quando a compartilha com as pessoas, vê suas reações e começa uma troca, a obra ganha outro significado.

Senti isso especialmente na conexão que estabeleci recentemente com públicos internacionais. As mensagens que recebi do Brasil e de diferentes partes do mundo foram extremamente valiosas para mim. Nesse sentido, também gostaria de expressar meu agradecimento especial aos amantes da arte no Brasil.

Meu trabalho sobre Frida Kahlo me tornou mais visível internacionalmente. Os comentários e mensagens que vieram depois realmente me emocionaram. Lembro-me de ter ficado com os olhos cheios de lágrimas ao ler alguns deles. Receber respostas tão sinceras e bonitas de pessoas que eu nunca havia conhecido, do outro lado do mundo, fez com que eu sentisse que minha arte havia tocado o coração de alguém.

Uma das coisas que mais me emocionou foi perceber que os espectadores não apenas olhavam para meu trabalho e seguiam adiante; eles começaram a esperar e perguntar pelas minhas novas obras. Existem pessoas que dizem: “Estamos curiosos para ver seu novo trabalho” ou “Estamos esperando por ele”. Acho que isso é uma motivação incrivelmente poderosa para um artista. Porque, em determinado momento, o espectador deixa de ser apenas a pessoa que está diante da obra e passa a fazer parte do processo criativo. Ele está dizendo: “Continue. Estou esperando algo de você”.

Existe uma mensagem que recebi abaixo do meu trabalho sobre Frida e que ainda me lembro. Uma pessoa da América Latina disse que eu havia elevado o espírito de Frida e que ela ajudaria a levá-lo a um público maior. Lembro-me de ter lido essa mensagem enquanto tomava meu café da manhã. Meus olhos realmente se encheram de lágrimas e eu disse a mim mesma: “Sim, Songül, você conseguiu isso através da sua arte. Você tocou o coração de alguém.”

O sentimento de responsabilidade que tenho como artista, a partir desse ponto, também está ligado a isso. Se uma pessoa tem algo que deseja dizer, uma linguagem que é unicamente sua e a capacidade de expressá-la, acredito que ela deve compartilhá-la. Para mim, criar já não é simplesmente uma profissão; é meu modo de vida, minha disciplina e parte da maneira como respiro. As respostas que chegam de diferentes partes do mundo me fazem sentir algo com muita força: ainda tenho muito a dizer, e existem pessoas esperando para ouvir.

9. Chris Herrmann: Quais artistas, movimentos artísticos ou experiências de vida mais influenciaram sua trajetória criativa?

Songül Soydan: Existem muitos artistas que me influenciaram, desde os períodos clássicos da história da arte até os dias atuais. O lugar de grandes mestres como Leonardo, Michelangelo, Rembrandt e Caravaggio na história da arte é, naturalmente, muito valioso para mim. No período moderno, também fui influenciada pela maneira como artistas como Van Gogh, Frida Kahlo, Picasso e Dalí criaram mundos próprios. Mas, no fim das contas, o que mais importou para mim não foi um determinado artista, mas a transformação pela qual a própria arte passou ao longo do tempo.

Minha pesquisa sobre arte ambiental durante o mestrado representou um importante ponto de transformação na minha compreensão da arte. Ao estudar a arte moderna e conceitual, seguida pelos artistas ambientais, fui profundamente influenciada pelo trabalho de artistas como Claes Oldenburg, pelos happenings e pela maneira como a arte ultrapassou a tela e entrou na vida e no ambiente.

Durante esse período, percebi algo: a pintura não precisa ser algo feito apenas com pigmento sobre uma tela. Ela pode ser uma maneira de pensar, uma forma conceitual de expressão e uma linguagem artística construída por meio de diferentes materiais. Uma das bases intelectuais do trabalho que hoje desenvolvo com materiais descartados foi formada nesse período.

O universo de Frida Kahlo e a maneira como ela se expressava também me influenciaram profundamente. Entretanto, se tivesse de citar um único artista que mais me influenciou, seria Henri Toulouse-Lautrec. Quando olho para as pinturas de Lautrec, não vejo apenas uma cena. É como se uma porta se abrisse dentro da pintura e eu pudesse atravessá-la e caminhar por aquele mundo. Suas pinturas me parecem muito líricas. Eu ouço uma voz dentro delas.

Acredito que isso também seja exatamente o que considero mais poderoso na arte: não simplesmente o fato de uma obra ser vista, mas a capacidade de ela conduzir uma pessoa para dentro de seu próprio mundo e fazê-la sentir algo diferente ali.

10. Chris Herrmann: Para finalizar, que mensagem você gostaria de deixar aos artistas que desejam desenvolver uma produção mais consciente e sustentável, sem abrir mão da originalidade e da liberdade criativa?

Songül Soydan: Em primeiro lugar, eu diria que não adotem a sustentabilidade simplesmente porque ela está na moda atualmente. Acredito que devemos criar a partir de uma crença verdadeira e de algo que tenha sido interiorizado. Você não precisa ser um grande ativista para fazer isso. Essa consciência precisa existir primeiro na sua vida cotidiana.

Por exemplo, se tenho um pedaço de lixo nas mãos e não encontro uma lixeira durante todo o dia, sou o tipo de pessoa que o carrega na bolsa e o leva para casa. Porque a sensibilidade em relação à natureza começa com pequenas ações cotidianas. Se essa consciência não existe, não acredito que criar arte sustentável simplesmente porque a sustentabilidade se tornou popular seja algo sincero.

Depois, eu incentivaria os artistas a olhar para os materiais descartados de uma maneira diferente. A enxergar uma garrafa de plástico, uma lata ou qualquer objeto sem uso não simplesmente como “lixo”, mas como um material que carrega o potencial de se transformar em algo novo.

Mas, ao fazer isso, é preciso permanecer original. Pesquisar trabalhos já realizados, a história da arte e as práticas contemporâneas; não repetir nem copiar aquilo que já foi feito. É preciso tentar encontrar a própria linguagem. Porque trabalhar com materiais sustentáveis é importante, mas aquilo que você diz por meio desses materiais é igualmente importante.

Eu também diria para serem resilientes. Podemos cair muitas vezes no caminho da arte e encontrar pessoas que não acreditam naquilo que estamos fazendo. O que importa é conseguir levantar novamente e continuar seguindo nosso caminho. Se você realmente acredita naquilo que faz, se é sincero e se seu propósito não é simplesmente tornar-se visível, mas compartilhar verdadeiramente algo que tem a dizer, acredito que sua arte encontrará seu próprio caminho.

Para mim, precisa haver sensibilidade, honestidade e uma determinada ética de vida dentro da arte. Se uma pessoa não sente verdadeiramente essa sensibilidade em relação à natureza, não há necessidade de produzir arte sustentável simplesmente porque isso está na moda. Existem tantas coisas a serem feitas neste mundo. Primeiro, é preciso encontrar aquilo que realmente pertence a você e fazê-lo com sinceridade.

Porque, para mim, a arte alcança sua forma mais poderosa quando uma pessoa começa a expressar algo em que realmente acredita, com grande sensibilidade e por meio de uma linguagem que seja verdadeiramente sua.

 

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Songül Soydan | Photo: Press Release

PORTUGUÊS  |  ENGLISH

Exclusive Bilingual Interview with Turkish Artist Songül Soydan

When art transforms what would otherwise be discarded into matter, memory, and awareness

By Chris Herrmann

Songül Soydan’s art seems to emerge precisely where many people stop looking. Among fragments of metal, cables, glass bottles, fabrics, paper and other discarded materials, the Turkish visual artist finds textures, colors, forms and possibilities that can easily go unnoticed in everyday life. Her mixed media and mosaic work establishes a continuous dialogue between artistic creation, nature and sustainability.

Based in Istanbul, where she also runs Songül Soydan SANAT Atölyesi, her space for creation and artistic exchange, Songül has developed a distinctive visual language based on transformation. Her relationship with nature, however, did not begin in the studio. It began in childhood, when a girl who did not always have easy access to art materials turned mud into sculptures and leaves, plants and thorns into toys.

With a degree and master’s degree in Painting, as well as formal training in oil painting and traditional mosaic, Songül gradually expanded her artistic research after realizing that a fragment can be much more than what it initially appears to be. A piece of a blue can can become a shade of blue; a discarded hairbrush can suggest coral; fragments can cease to be waste and become the material for a new narrative.

Songül Soydan in her studio | Photo: Artist's collection

Her gaze also turned toward the microscopic world. The structures of butterfly wings, hummingbird beaks and tongues, and other forms invisible to the naked eye began to feed her imagination. In this encounter between the minuscule and the monumental, between what nature creates and what human beings discard, one of the most distinctive dimensions of her work emerged.

For Songül, however, sustainability should not simply be a trend. It needs to be part of everyday life and of a personal ethic. The artist believes that art can change the way we see the world and, consequently, our relationship with everything around us.

In this exclusive interview with Chris Herrmann Multiartes, Songül Soydan talks about her origins, her creative process, her fascination with nature, the importance of mosaic, the role of art in the face of environmental challenges, her “studio cave,” the influence of great masters, and the emotion of realizing that her art has already crossed borders and reached Brazilian audiences.

INTERVIEW WITH SONGÜL SOYDAN

1. Chris Herrmann: Your work brings together art, nature, and sustainability in a very distinctive way. At what point did you realize that these three elements would become the foundation of your artistic identity?

Songül Soydan: I cannot say that there was a specific moment when I realized that these three elements were the foundation of my artistic identity. I think they developed over time, beginning in my childhood and shaped by my education, experiences, and the sensitivity I developed toward life.

As a child, I spent a great deal of time in nature. I made sculptures out of mud and turned leaves, plants, and thorns into toys. I grew up in a large family where financial resources were limited, so having access to paint and art materials was not always easy. This taught me that you do not always need ready-made materials to create art; you can transform everything around you. When I look at my relationship with the different discarded materials I use today, I can see its earliest traces in my childhood.

My strong connection with nature also gradually became an important part of my artistic practice. I believe that we are guests on this planet. No guest leaves a house by destroying and polluting the place where they have been welcomed. We are not the owners of nature; we are a part of it, and our lives are interconnected with other living beings, the soil, water, and air.

2. Chris Herrmann: You work with recycled materials and everyday objects. How do you transform seemingly ordinary or discarded materials into works of art that inspire emotion and reflection?

Songül Soydan: When I look at a discarded material, I often do not see it in its discarded state. I can suddenly see what it could become. Sometimes the material itself inspires me so strongly that the moment I hold it in my hands, it begins transforming into another form in my mind.

For example, recently, while throwing away an old and worn-out hairbrush, I found myself taking it back out of the trash. The sharp plastic pieces on the brush reminded me of the texture of coral or an underwater plant. At that moment, I thought that if I collected similar brushes and combs, I could create a large sea plant or coral form. It is almost as if the material itself tells me what it wants to become.

Metal pieces, cables, glass bottles, and many other objects go through a similar process for me. Sometimes I collect so much material that I feel like a hoarder. Then an idea emerges from among all those materials, and I begin designing it and bringing it onto the canvas. In the end, objects that were once considered nothing more than waste gain a new meaning and become works of art.

For me, this process is somewhat like a musician composing music after being inspired by a sound heard in nature. I see the trace of something else in a small piece of material, establish a connection between the two, and create a new work from that resemblance.

3. Chris Herrmann: Many of your creations are inspired by microscopic structures, cells, plants, and organic forms. Where does your fascination with the hidden details of nature come from?

Songül Soydan: My interest in the invisible details of nature is actually part of the way I see the world. When I first began incorporating recycled materials into my paintings, encountering images from an electron microscope became an important turning point for me. I was deeply fascinated by microscopic details such as the structure of a butterfly’s wing and the beak and tongue of a hummingbird. I realized that within something that appears ordinary to the naked eye, there can be an entirely different and astonishing world.

Inspired by these images, I produced a series of abstract works for a period of time. I reinterpreted the delicacy of a butterfly, or the strength and movement within the structure of a hummingbird, through these microscopic details I found in nature. At the same time, I began thinking about the contradiction between these forms of beauty and the damage we cause to nature. Making a destroyed natural world visible again through the very materials that human beings consume and leave behind became a powerful form of expression for me.

I think the same approach lies at the heart of the way I look at discarded materials today. I do not see an object only for what it is. I look at its texture, lines, spaces, repetitions, and the forms within it. In a way, my eye works like a microscope. Perhaps that is why it was inevitable that the microscopic world of nature would affect me so deeply.

4. Chris Herrmann: You also create mosaic artworks, a technique with a long and rich artistic tradition. What fascinates you most about mosaics, and how do they complement your mixed media creations?

Songül Soydan: My art education and master’s degree are both in painting. I received particular training in oil painting and worked in this field for many years. After establishing my own studio, however, I wanted to develop myself through different techniques and explore new ways of expression, so I also received formal training in traditional mosaic.

Over time, mosaic became more than just a technique for me; it became a way of thinking. Mosaic requires great patience, as small pieces eventually become a whole through a long process of work. The idea of moving from fragments to a whole is also at the foundation of the work I create today with recycled materials.

For me, a soda can, a piece of denim, a piece of metal, or a discarded sheet of paper is not yet a work of art on its own. Simply placing it onto a canvas would only mean changing the material’s location. I break it apart and reinterpret its colors, textures, and forms to create the whole.

Just as stones, glass, and other materials become a color palette in mosaic, discarded materials are like tubes of paint to me. For example, a blue beverage can is not simply a can in my eyes; it is a shade of blue. The changes in color that I create on its surface with heat become different shades of that blue.

That is why I believe my mosaic training has a very strong connection with the work I create today. It taught me not only how to bring fragments together, but also how to see the color and potential within those fragments and create a new whole from them.

5. Chris Herrmann: We are living in a time of major environmental challenges. In your opinion, what role can art play in raising awareness about nature conservation and sustainability?

Songül Soydan: I would actually like to begin this question with a quote by Tolstoy: “Art should eliminate violence. Only it can do this.” I truly believe in these words.

I think the greatest power of art is its ability to change the way people see the world. As people develop their sense of aesthetics and sensitivity, their relationship with nature, other living beings, and the world they inhabit also changes. I believe that a person who can recognize beauty and feel the value of life becomes more sensitive to the destruction of it.

When I transform discarded materials into works of art, I am not simply reusing a material; I am trying to encourage people to look again at something they have considered worthless or useless. It may seem like a small impact, but even changing the way one person sees something is very meaningful to me.

Today, through social media and digital communication, we can bring this transformative power of art to much wider audiences. I am in Türkiye, while you are in Brazil; a work of art has connected us. That alone shows the power of art to cross borders. I believe that by bringing today’s communication possibilities together with art, we can spread aesthetic sensitivity and environmental awareness much more quickly and widely.

I would like to end this question with another quotation, just as I began it with one. As Nietzsche said: “There is only one thing that must be possessed: either a delicate soul by birth, or a soul refined by science and the arts.”

6. Chris Herrmann: Throughout your career, your artworks have been exhibited in group and solo exhibitions. Is there a particular work or moment in your artistic journey that holds special meaning for you?

Songül Soydan: Throughout my career, I have participated in many group and solo exhibitions. Of course, seeing my work exhibited and experiencing the reactions of viewers has always been very valuable and enjoyable for me. But some of the moments that carry the greatest meaning for me lie far beyond the successes visible from the outside; they are hidden in the inner relationship I establish with a work.

One of these moments came through a work I created using denim. A denim company asked me to create a piece to be exhibited at one of their fairs. I had never worked with denim before. I first asked for some time to become familiar with the material and study what had already been created with it, because I did not want to repeat something that had been done before. I wanted to find a new form of expression that would be my own.

I visited the factory and collected discarded denim. I walked through the production areas and gathered many different materials, from parts of sewing machines to gears, needles, spools, and various metal accessories. Then I spread all of these pieces across the table in my studio and spent days simply looking at them. In a way, we were trying to get to know one another: the material and I.

At that time, I was also going through a period of turning inward, rediscovering myself and the layers I had carried with me from the past. It was a time when I read extensively, thought deeply, and questioned myself. I think all of this inner process entered the work unconsciously.

In the resulting piece, I wanted to express how human emotions can fragment and change over time, becoming more mechanical. The work consists of layers, with metal pieces emerging outward from between them. While there is a more mechanical and controlled world on the surface, there is still something alive and deeply human underneath.

This work was important to me because, for the first time, I felt that I was using a material not merely for its formal qualities, but as part of my own inner transformation. Denim, metal fragments, and layers became a language through which I could speak about human change, boundaries, and the invisible world we carry from our past.

For this reason, what mattered to me was not only the finished work, but also the transformation I experienced while creating it. Sometimes a work of art does not remain merely a work in an artist’s life; it becomes a record of a period in which they discovered something about themselves.

7. Chris Herrmann: As an artist and the director of Songül Soydan SANAT Atölyesi, how important is it for you to have a space dedicated to artistic creation and to sharing art with others?

Songül Soydan: I call my studio my “cave.” Because for me, the studio is not simply a place where I work; it is a space where inner transformation begins, where I can be alone with myself, and where I create. Retreating into a cave feels to me like temporarily stepping away from the outside world and turning inward. Creation happens in much the same way for me: I absorb life while I am out in the world, and then I retreat into my cave and transform everything I have taken in.

I have always had a studio throughout my life. In fact, whenever I did not have a studio, I turned wherever I was into one. Even if I go away for only four days, I always take a sketchbook, some watercolors, or a few materials with me. At any moment, I may want to draw something or develop an idea. I compare this to a photographer carrying a camera with them. An artist can create anywhere; an idea can come from anywhere. But the place where large-scale production, prolonged concentration, and the real emergence of a work take place is still the studio.

My studio is also a place of sharing. I hold workshops with friends and with students who come to me at different periods. Sharing with others the things I have learned over the years, and sometimes discovered through great effort, feels like multiplying them. I believe that what we learn should not remain only within ourselves; knowledge continues to live when it is shared.

That is why my studio is sometimes a cave, sometimes a sanctuary, sometimes a place where I meet students and friends, and sometimes a living space where we talk, have fun, or even watch films together. I also call it my “home studio.” Because it is actually much more than a studio: it is my life itself.

I believe that, in order to create, we sometimes need to retreat into solitude. We are nourished by people, the city, and nature outside; then we return to our own cave with all those experiences and reshape them within ourselves. Sometimes, creating does not require withdrawing from the world, but staying with yourself long enough to transform what you have taken from the world.

8. Chris Herrmann: Art is often described as a universal language capable of transcending cultural boundaries. How do you feel international audiences respond to your work?

Songül Soydan: I truly believe that art is a universal language. Because unless art is shared, it remains an experience contained within the artist’s own world. You can create a work in your studio and keep it with you for the rest of your life; but when you share it with people, see their reactions, and an exchange begins, the work takes on another meaning.

I have felt this particularly strongly through the connection I have recently established with international audiences. The messages I have received from Brazil and from different parts of the world have been incredibly valuable to me. In this sense, I would also like to express my special thanks to art lovers in Brazil.

My Frida Kahlo work made me more visible internationally. The comments and messages that followed truly moved me. I remember my eyes filling with tears as I read some of them. Receiving such sincere and beautiful responses from people I had never met, from the other side of the world, made me feel that my art had touched someone’s heart.

One of the things that affected me most was seeing that viewers did not simply look at my work and move on; they began waiting for and asking about my new works. There are people saying, “We are curious about your new work,” or “We are waiting for it.” I think this is an incredibly powerful motivation for an artist. Because at a certain point, the viewer stops being merely the person standing in front of your work and becomes part of your creative process. They are telling you, “Keep going. I am waiting for something from you.”

There is one message I received beneath my Frida work that I still remember. A viewer from Latin America told me that I had elevated Frida’s spirit and that they would help carry it to a wider audience. I remember seeing that message while drinking my morning coffee. My eyes genuinely filled with tears, and I said to myself, “Yes, Songül, you have achieved this through your art. You have touched someone’s heart.”

The sense of responsibility I feel as an artist from this point forward is also connected to this. If there is something a person wants to say, a language that is uniquely their own, and the ability to express it, I believe they should share it. For me, creating is no longer simply a profession; it is my way of life, my discipline, and a part of the way I breathe. The responses coming from different parts of the world make me feel one thing very strongly: I still have so much to say, and people are waiting to hear it.

9. Chris Herrmann: Which artists, artistic movements, or life experiences have had the greatest influence on your creative journey?

Songül Soydan: There are many artists who have influenced me, from the classical periods of art history to the present day. The place of great masters such as Leonardo, Michelangelo, Rembrandt, and Caravaggio in art history is of course very valuable to me. In the modern period, I have also been influenced by the way artists such as Van Gogh, Frida Kahlo, Picasso, and Dalí created worlds of their own. But what has ultimately mattered most to me is not one particular artist, but the transformation that art itself has undergone over time.

My research into environmental art during my master’s thesis created an important turning point in my understanding of art. As I studied modern and conceptual art, followed by environmental artists, I was deeply influenced by the work of artists such as Claes Oldenburg, by happenings, and by the way art moved beyond the canvas and entered into life and the environment.

During that period, I realized something: painting does not have to be something made only with pigment on a canvas. It can be a way of thinking, a conceptual form of expression, and an artistic language constructed through different materials. One of the intellectual foundations of the work I create with discarded materials today was formed during this period.

The world of Frida Kahlo and the way she expressed herself is also an area that has deeply influenced me. However, if I had to name a single artist who has influenced me the most, it would be Henri Toulouse-Lautrec. When I look at Lautrec’s paintings, I do not see only a scene. It feels as if a door opens within the painting, and I can walk through that door and move around inside that world. His paintings feel very lyrical to me. I hear a voice within them.

I think this is also exactly what I find most powerful about art: not simply that a work is seen, but that it draws a person into its own world and makes them feel something else there.

10. Chris Herrmann: Finally, what message would you like to share with artists who aspire to create more environmentally conscious and sustainable work while preserving their originality and creative freedom?

Songül Soydan: First of all, I would tell them not to embrace sustainability simply because it is fashionable today. I believe they should create from a place of genuine belief and internalization. You do not have to be a great activist to do this. It first needs to exist in your everyday life.

For example, if I have a piece of trash in my hand and cannot find a trash bin throughout the day, I am the kind of person who carries it in my bag and takes it home. Because sensitivity toward nature begins with small everyday actions. If that awareness does not exist, I do not think creating sustainable art simply because sustainability has become popular will be sincere.

Then I would encourage them to look at discarded materials differently. I would tell them to see a plastic bottle, a can, or any unused object not simply as “waste,” but as a material carrying the potential to become something new.

But while doing this, they should remain original. They should research previously created works, art history, and contemporary practices; they should not repeat or copy what has already been done. They should try to find their own language. Because working with sustainable materials is important, but what you say through those materials is just as important.

I would also tell them to be resilient. You may fall many times on the path of art, and you may encounter people who do not believe in what you are doing. What matters is being able to stand up again and continue on your path. If you truly believe in what you are doing, if you are sincere, and if your purpose is not simply to become visible but to genuinely share something you have to say, I believe your art will find its own way.

For me, there must be sensitivity, honesty, and a certain ethics of life within art. If a person does not genuinely feel this sensitivity toward nature, there is no need for them to make sustainable art simply because it is fashionable. There are so many things to be done in this world. First, they should find what truly belongs to them and do it sincerely.

Because to me, art reaches its most powerful form when a person begins expressing something they genuinely believe in, with great sensitivity and in a language of their own.

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CHRIS HERRMANN
Editora-chefe e Colunista