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Entrevista exclusiva trilíngue por Chris Herrmann - ANTONYEL PACHECO E A BANDA DO PROFESSOR: QUANDO A MÚSICA TRANSFORMA VIDAS E CONQUISTA PALCOS
Por Chris Herrmann 💬
PORTUGUÊS
ANTONYEL PACHECO E A BANDA DO PROFESSOR: QUANDO A MÚSICA TRANSFORMA VIDAS E CONQUISTA PALCOS
Entrevista exclusiva trilíngue | Por Chris Herrmann | Portal CH Multiartes
Uma sala de aula, alguns instrumentos musicais, crianças descobrindo suas habilidades e um professor disposto a experimentar novas possibilidades de ensino. Foi nesse ambiente, em São Luís, no Maranhão, que começou uma história que ultrapassaria as fronteiras do estado e conquistaria a atenção de milhares de pessoas pelo Brasil.
À frente da Banda do Professor, o músico e educador Antonyel Pacheco desenvolveu uma proposta pedagógica que valoriza a experiência coletiva, a escuta, a sensibilidade e a liberdade de expressão. Mais do que ensinar notas, acordes e ritmos, seu trabalho procura despertar nos alunos a compreensão da música como uma linguagem capaz de traduzir emoções, fortalecer a autoconfiança e ampliar horizontes.
O que nasceu de encontros musicais na sala de sua própria casa ganhou uma dimensão surpreendente. Os registros espontâneos dos ensaios começaram a circular pelas redes sociais, alcançaram milhões de visualizações e chamaram a atenção de artistas consagrados da música brasileira. Marcelo Bonfá compartilhou e comentou vídeos do projeto, Zé Ramalho também repercutiu as interpretações dos jovens músicos, e a página oficial de Cazuza, ligada ao trabalho de sua mãe, Lucinha Araújo, manifestou reconhecimento pela iniciativa.
As conquistas não ficaram restritas ao universo digital. A Banda do Professor chegou ao palco do programa Altas Horas, apresentado por Serginho Groisman, participou do Festival LED, no Rio de Janeiro, e viveu a experiência de dividir o palco com o Ira!, no Vibra São Paulo. Para Antonyel, que cresceu acompanhando seus ídolos nas páginas da revista Guitar Player e nas apresentações exibidas pela MTV, esses encontros representam a realização de sonhos que pareciam distantes.
Entretanto, o aspecto mais interessante dessa trajetória talvez esteja justamente naquilo que não aparece nos números das redes sociais. Por trás de cada apresentação existe um processo educativo que respeita o ritmo individual dos estudantes, estimula a colaboração e compreende o erro como parte indispensável da aprendizagem. Na proposta de Antonyel, a banda funciona como uma comunidade musical em que cada integrante desempenha um papel importante, independentemente de quem esteja em evidência.
Essa filosofia também orienta os cuidados com a exposição pública das crianças e adolescentes. Mesmo diante da popularidade crescente, o professor destaca a importância da participação das famílias, da preservação da rotina escolar e da escolha de repertórios adequados à faixa etária. O sucesso, segundo sua perspectiva, não deve se sobrepor à infância nem transformar a experiência musical em uma obrigação.
Outro aspecto significativo é o compromisso com a memória da música brasileira. Ao interpretar obras de artistas como Belchior, Raul Seixas, Zé Ramalho e Legião Urbana, os jovens músicos estabelecem um diálogo entre gerações e descobrem composições que marcaram a história cultural do país. Não se trata apenas de revisitar clássicos, mas de compreender sua riqueza artística e mantê-los vivos por meio de novas interpretações.
O projeto também revela uma realidade importante da produção cultural brasileira: iniciativas nascidas fora dos grandes centros podem conquistar reconhecimento nacional e abrir oportunidades para novos talentos. Antonyel conta que a Banda do Professor alcançou expressiva projeção em outras regiões antes mesmo de obter repercussão equivalente em seu próprio estado. Agora, um de seus objetivos é transformar essa visibilidade em caminhos permanentes para outros jovens músicos e educadores maranhenses.
Alunos do Professor Antonyel | Foto: Acervo pessoal
E os sonhos continuam. Entre os próximos passos estão a criação de um repertório autoral, a gravação de discos, a ampliação das apresentações e o fortalecimento do espaço musical, onde novas turmas poderão desenvolver suas próprias formações.
Com formação musical pelo Conservatório Brasileiro de Música, no Rio de Janeiro, pós-graduação em Musicoterapia pela Universidade de Münster, na Alemanha, e experiência no ensino particular de piano para crianças, reconheço nessa trajetória questões que sempre considerei fundamentais: a relação entre música e desenvolvimento humano, a importância da sensibilidade na aprendizagem e o papel do educador na descoberta das potencialidades individuais.
Nesta entrevista exclusiva ao Portal CH Multiartes, Antonyel Pacheco compartilha os princípios de seu trabalho, os desafios da exposição nas redes sociais, as experiências ao lado de grandes nomes da música brasileira e os projetos que pretende realizar. Acima de tudo, fala sobre aquilo que dá sentido à sua missão como professor: acompanhar uma criança descobrir sua própria voz e perceber que a música pode transformar sua maneira de estar no mundo.
A ENTREVISTA
1. Chris Herrmann: A Banda do Professor nasceu de uma experiência de ensino musical que, aos poucos, ganhou dimensões que talvez nem você imaginasse no início. Em que momento percebeu que aquele trabalho com os alunos estava ultrapassando os limites de uma aula de música e se transformando em um projeto com identidade própria?
Antonyel Pacheco: A percepção de que estávamos construindo uma identidade própria surgiu diretamente da nossa proposta pedagógica: estruturar o aprendizado no formato de banda, registrar esses momentos de forma totalmente orgânica e promover uma dinâmica de circulação, na qual cada aluno experimenta diferentes instrumentos. À primeira vista, essa alternância pode parecer incomum. A intenção, contudo, não é formar múltiplos instrumentistas de imediato, mas proporcionar uma vivência integral da música. O estudante precisa sentir o pulso e compreender a função rítmica na bateria, assim como precisa assimilar a harmonia e as texturas melódicas.
À medida que estruturamos essa metodologia e passamos a registrar os ensaios em vídeo, fizemos diversos testes práticos. Em momento algum cogitamos reproduzir fórmulas prontas ou nos distanciar da nossa espontaneidade. As redes sociais costumam valorizar produções milimetricamente arquitetadas, com iluminação de palco e cenários artificiais, mas optamos pelo caminho inverso: registrar a realidade de uma sala de aula viva, fluida e sincera. Nossos primeiros registros incluíam as imperfeições naturais do processo, mostrando o aprendizado em tempo real.
Com o tempo, à medida que os alunos amadureciam musicalmente e investíamos em equipamentos de áudio e vídeo de maior precisão, mantivemos intacta essa premissa. O público passou a enxergar cada detalhe, cada troca de olhar e a genuína expressividade das crianças. Foi justamente ao unir uma metodologia integradora à autenticidade da nossa rotina que percebemos que o trabalho havia deixado de ser uma aula isolada para se consolidar como um projeto com voz e identidade próprias.
2. CH: Trabalhar com crianças e adolescentes exige compreender que cada um tem seu próprio tempo, suas habilidades e sua maneira de se expressar. Como você identifica e desenvolve o potencial individual de cada aluno dentro de uma experiência coletiva como a banda? E como faz para que a participação musical fortaleça a confiança de cada um, sem estimular comparações ou disputas?
AP: A comparação e o ímpeto de disputa são impulsos naturais na convivência humana; não podemos fingir que não existem. Em vez de ignorá-los, nosso papel como educadores é orientar a mentalidade dos alunos para que reconheçam suas singularidades e compreendam suas próprias limitações sem sentimento de inferioridade. Eu costumo valorizar muito quando o estudante chega sem experiências anteriores, como alguém que aprende a dirigir do zero, sem vícios técnicos, pois conseguimos desenvolver sua musicalidade de forma limpa e conectada à nossa metodologia.
O pilar central desse trabalho é o fortalecimento da autoconfiança. A timidez é apenas uma barreira inicial que se dissolve quando o aluno percebe que o erro não é um motivo de frustração ou punição, mas uma etapa necessária e pedagógica para o acerto. O medo de errar paralisa; normalizar o erro liberta.
Para neutralizar disputas destrutivas, trabalhamos o conceito de uma verdadeira "comunidade musical", estruturada no mesmo princípio de uma equipe esportiva: nem todos exercem a mesma função de destaque a todo instante, mas cada papel é indispensável para o equilíbrio do conjunto. Se um aluno enfrenta mais dificuldade em determinado trecho, o grupo o acolhe e sustenta o andamento. Existe um fenômeno fascinante de autorregulação coletiva, semelhante ao clássico experimento físico dos metrônomos descompassados sobre uma base comum, que com o tempo se sincronizam naturalmente pela ressonância. No ambiente da banda, a convivência e o ritmo compartilhado fazem com que os ritmos individuais se harmonizem, ensinando a controlar o ego, respeitar os tempos de maturação e construir uma confiança genuína que ultrapassa as paredes da sala de aula.
3.CH: A música tem uma capacidade especial de despertar emoções e proporcionar formas de expressão que nem sempre encontram espaço na comunicação cotidiana. Na convivência com seus alunos, você percebe mudanças na maneira como eles se relacionam, se comunicam ou enxergam a si mesmos depois que começam a tocar e cantar? Poderia compartilhar alguma experiência que tenha marcado você como educador?
AP: Parto sempre de uma premissa basilar: a música é a arte de expressar sentimentos por meio do som. Antes de qualquer formalismo teórico ou regras complexas de harmonia, meu primeiro passo é trabalhar a escuta e a sensibilidade sonora. Faço uma analogia muito clara com a linguagem: as notas musicais se articulam como as letras do alfabeto, combinando-se para formar palavras e mensagens. Assim como uma palavra evoca afeto, surpresa ou tristeza, os acordes carregam essa mesma força emotiva.
Nas primeiras vivências, apresento a sonoridade de um acorde maior, menor ou dissonante e pergunto diretamente o que eles sentem, qual imagem ou sensação aquilo desperta. O resultado desse mergulho é imediato: o aluno deixa de encarar a harmonia como uma cifra abstrata e passa a compreendê-la como narrativa emocional. Eles percebem a tensão, o repouso e a melancolia de forma intuitiva. Essa percepção se aprofunda até mesmo ao analisar canções internacionais, quando notam contrastes entre a carga emotiva dos acordes e o teor das letras, momento em que discutimos tanto a coerência estética quanto os recursos da música contemporânea e comercial, que por vezes subverte essas regras de forma intencional.
Essa imersão transforma profundamente a relação do aluno consigo mesmo e com o ambiente. Ver os olhos brilhando ao decodificarem uma sensação e perceberem que são capazes de expressar sentimentos que as palavras cotidianas não alcançam é uma das experiências mais marcantes da minha trajetória docente. É uma pedagogia focada na sensação e na escuta ativa. Reconheço com naturalidade que essa abordagem demanda abertura e sensibilidade, nem todo perfil de aluno se adapta a ela, e isso faz parte do processo educativo, mas aqueles que se conectam com essa proposta vivenciam uma transformação expressiva e humana que marca definitivamente a sua formação.
4.CH: O repertório da banda passeia por nomes importantes da música brasileira, como Legião Urbana, Zé Ramalho, Raul Seixas e Pitty. Como são escolhidas as músicas? Existe também uma intenção de apresentar às novas gerações artistas e obras que fazem parte da história cultural brasileira, criando uma ponte entre diferentes gerações?
AP: A escolha desse repertório responde diretamente à intenção de promover um resgate cultural consistente. Longe de cair em um saudosismo raso, aquela ideia recorrente de que "no passado tudo era melhor", trata-se de um olhar crítico e consciente sobre a produção artística contemporânea. Vivemos um momento em que a indústria valoriza o consumo descartável, com faixas efêmeras que frequentemente abrem mão do cuidado harmônico, melódico e poético. Não se trata de exigir que toda composição atinja a erudição literária de um Chico Buarque, mas de reconhecer a importância do compromisso estético com a canção.
Do ponto de vista pedagógico, grande parte do que se encontra em evidência massiva hoje oferece pouco estofo para o ensino musical formativo. Por isso, recorrer a mestres como Belchior, Zé Ramalho, Raul Seixas e tantos outros é uma escolha curricular e artística deliberada. São obras que moldaram a identidade cultural do país e que precisam ser preservadas e eternizadas.
Ao trabalhar esse repertório com as crianças e jovens, estabelecemos uma ponte viva entre épocas: oferecemos a eles uma fonte sólida na qual podem beber, aguçando seu senso crítico e servindo de referência criativa para o futuro. Esse resgate tem gerado frutos reais ao nosso redor. Vemos os alunos e a própria comunidade descobrindo e valorizando clássicos da música brasileira com entusiasmo genuíno, provando que a boa música não envelhece quando apresentada com verdade.
5.CH: Os vídeos da Banda do Professor alcançaram milhões de visualizações e trouxeram uma visibilidade extraordinária para os jovens músicos. Ao mesmo tempo, crianças e adolescentes precisam de proteção e orientação diante da exposição pública. Como você administra esse equilíbrio entre divulgar o trabalho, valorizar os alunos e preservar a infância e a adolescência de cada um?
AP: Essa é uma preocupação central e diária no nosso trabalho. Antes de tudo, é preciso distinguir visibilidade pedagógica de exposição indevida: a exposição prejudicial ocorre quando a criança é colocada em situações inadequadas à sua faixa etária, como em coreografias erotizadas ou interpretando letras com apelos explícitos. No nosso caso, o que compartilhamos é uma amostra formativa de valorização da infância: crianças e adolescentes vivenciando a música com profundidade, tocando instrumentos reais e interpretando clássicos que enriquecem sua formação cultural.
Para assegurar esse equilíbrio e resguardar os integrantes, adotamos protocolos claros e alinhados estreitamente com as famílias:
1. Cuidado com o repertório e adequação das letras: fazemos uma curadoria rigorosa das composições. Quando necessário, realizamos adaptações pontuais em versos que não convergem com a maturidade das crianças, garantindo uma experiência musical saudável.
2. Postura e estética adequadas à idade: há uma atenção cuidadosa para que as vestimentas e a linguagem corporal respeitem a naturalidade da infância e da juventude, sem qualquer tipo de adultização ou afetação de palco.3. Resguardo de dados e identidade: evitamos a marcação nominal ou a identificação excessiva dos alunos nas postagens, centralizando as publicações nos canais institucionais do projeto. Além disso, oriento pais e alunos sobre os riscos do uso precoce e desmedido de redes sociais próprias.4. Alinhamento e compromisso com os pais: mantemos um diálogo constante e transparente com os responsáveis. Nosso foco nunca foi a corrida cega por métricas ou monetização fácil, até porque, se o objetivo fosse unicamente visualizações algorítmicas, estaríamos explorando modismos superficiais.O que nos move é o impacto pedagógico e inspirador do trabalho: mostrar que é possível aprender música de qualidade com seriedade, afeto e respeito absoluto ao tempo e à integridade de cada jovem.
6.CH: Um aspecto interessante do projeto é a participação de diferentes alunos, com alternância de vozes e instrumentos. Como funciona essa dinâmica na prática? E como você lida com a possibilidade de que alguns integrantes recebam mais atenção do público do que outros, especialmente quando determinados vídeos viralizam?
AP: Para compreender essa dinâmica, é fundamental distinguir os diferentes níveis de atuação dentro do projeto. Existe a Banda do Professor propriamente dita, nossa formação pioneira, mais experiente, que cumpre agenda de apresentações e desenvolve um trabalho artístico profissional, e existem as diversas turmas de alunos em formação no Espaço Musical. A banda principal funciona como uma referência viva e inspiradora para quem está chegando; os novos alunos enxergam esses colegas não com rivalidade, mas com admiração, como um exemplo concreto do que podem alcançar.
Na prática das aulas, trabalhamos estruturados por turmas, onde a alternância de instrumentos e vozes é a base do método. Cada grupo constrói suas próprias produções em vídeo, registrando o desenvolvimento real daquele estágio de aprendizagem. Eventualmente, realizamos integrações entre alunos de diferentes níveis, o que enriquece a experiência musical e amplia o alcance coletivo.
Em relação à visibilidade e à viralização nas redes, mantemos um diálogo muito transparente com todos. É natural que formações mais maduras ou vídeos com determinados repertórios alcancem números expressivos, enquanto turmas iniciantes tenham engajamentos mais modestos no começo. Orientamos os estudantes e as famílias a olharem para essas métricas sob a ótica do processo: os vídeos funcionam como um registro histórico e pedagógico da evolução de cada um. Quando o aluno percebe que cada etapa tem seu valor e que o objetivo central não é a corrida pelo algoritmo, mas o crescimento artístico e humano, o foco permanece na música e no apoio mútuo.
7.CH: A participação no Festival LED, no Altas Horas e a aproximação com artistas consagrados do rock nacional, como Nasi, do Ira!, representam experiências muito significativas para um projeto que começou em uma sala de aula. Qual dessas vivências mais surpreendeu você? Em algum momento chegou a parar e pensar: "Olha onde aqueles primeiros encontros musicais nos trouxeram!"?
AP: Esse é, sem dúvida, o ápice da nossa trajetória. É a materialização de um sonho de infância: criar pontes diretas com ídolos que sempre foram minhas grandes referências. Eu me lembro de quando era garoto, folheando as páginas da revista Guitar Player ou assistindo à MTV vidrado nas apresentações, vendo o Edgard Scandurra com sua clássica pegada canhota. Naquela época, tudo isso parecia uma realidade completamente inatingível.
Ver esse ciclo se fechar com o reconhecimento dos próprios criadores das obras é indescritível. Marcelo Bonfá compartilhando e comentando nossos vídeos de Legião Urbana, Zé Ramalho repostando, a página oficial do Cazuza, por meio da sua mãe, Lucinha Araújo, nos prestigiando... Praticamente todos os artistas que homenageamos nos deram retorno, validando com carinho o trabalho dessas crianças.
Quando começamos os ensaios despretensiosos na sala de casa, a gente até sonhava com um olhar desses artistas, mas parecia algo distante. De repente, nos vemos convidados para o palco do Altas Horas com Serginho Groisman, participando do Festival LED no Rio de Janeiro e dividindo o palco com o Ira! no Vibra São Paulo. Mais do que surpresa, há uma sensação profunda de realização e encantamento. É impossível não parar em certos momentos, olhar para os meninos tocando ao lado de lendas da música brasileira e pensar: "Olha a dimensão que aquele primeiro encontro na sala de aula tomou!".
8.CH: A Banda do Professor nasceu no Maranhão e conquistou visibilidade para além das fronteiras do estado. Sabemos que muitos projetos culturais e educacionais desenvolvidos fora dos grandes centros ainda enfrentam dificuldades para alcançar reconhecimento nacional. O que essa trajetória representa para você e que portas gostaria de abrir para outros jovens artistas e educadores maranhenses?
AP: Essa trajetória representa uma quebra de paradigmas. Quando analisamos os dados e o alcance do nosso público, deparamo-nos com uma realidade curiosa e fascinante: a maior concentração da nossa audiência está justamente no eixo Sudeste e em outras capitais, como São Paulo, Rio de Janeiro e Belo Horizonte, acompanhadas por Fortaleza e Salvador, com São Luís somando a essa força. Criou-se um fenômeno em que o projeto ganhou uma projeção massiva fora do Maranhão antes mesmo de se consolidar internamente na mesma escala.
Muitas vezes, a trajetória comum de um artista consiste em conquistar primeiro a sua cena local para depois buscar espaço nos grandes centros. Conosco, as redes sociais e o impacto do trabalho inverteram essa lógica: construímos pontes diretas com os maiores palcos do país a partir da nossa sala de aula em São Luís.
O meu grande propósito agora é transformar essa visibilidade em uma estrutura permanente de oportunidades, ser um elo catalisador. O projeto naturalmente revelou talentos expressivos e tornou-se um celeiro de jovens músicos. Estamos em uma fase de consolidação institucional para que essa ponte que abrimos não sirva apenas à Banda do Professor, mas se torne um caminho viável para outros jovens artistas e educadores da nossa região. Ver uma iniciativa essencialmente pedagógica e maranhense alcançar essa repercussão nacional é algo raro e gratificante, e nossa meta é fincar essa âncora com firmeza para impulsionar toda uma nova geração.
9.CH: Como educador, você acompanha de perto não apenas o desenvolvimento musical, mas também as descobertas pessoais de cada aluno. Existe alguma história envolvendo um dos integrantes que tenha feito você perceber, de maneira especialmente marcante, o alcance que a música pode ter na vida de uma criança ou adolescente?
AP: O exemplo do David sintetiza com muita força essa transformação: ele é um jovem que vive e respira música em tempo integral. Nele, a relação com a arte acontece de forma visceral e espontânea. Da mesma maneira, acompanhar a evolução do Bernardo, do Yuri, do Benjamim e da Hellena é testemunhar um amadurecimento humano diário. Vemos a timidez e o receio inicial se dissiparem para dar lugar a uma postura firme e expressiva.
A música altera profundamente a dinâmica dessas crianças, desde a rotina até o reconhecimento público nas escolas e nas ruas, com pedidos de fotos e entrevistas. Ao mesmo tempo em que celebramos essa repercussão, mantemos um cuidado vigilante para garantir que permaneçam com os pés no chão, resguardando sua infância e sua formação escolar.
O impacto mais marcante, contudo, vai além dos palcos e das redes: a música desperta uma sensibilidade única, constrói uma autoconfiança sólida e descortina horizontes e perspectivas de futuro que antes pareciam distantes. Acompanhar de perto essa virada de chave, ver uma criança descobrir sua própria voz e perceber o seu valor no mundo através do som, é o aspecto mais gratificante e transformador da minha missão como educador.
10.CH: Depois de tantas conquistas, quais são os próximos sonhos e projetos para a Banda do Professor e para a Bandinha do Professor? E que mensagem você deixaria para outros professores, crianças e adolescentes que desejam fazer da música uma parte importante de suas vidas?
AP: Costumo dizer que, quando você alcança um sonho, ele imediatamente se desdobra e multiplica outros. Para a Banda do Professor, o próximo grande passo artístico é consolidar um trabalho autoral: compor nossas próprias canções, gravar discos e estruturar uma circulação de apresentações consistente, sempre, é claro, com o cuidado rigoroso de preservar a rotina escolar, os momentos de lazer e a infância de cada integrante. A vivência profissional dos palcos precisa ser compreendida não como uma obrigação extenuante, mas como uma fonte genuína de prazer e realização para eles.
Para o Espaço Musical e as demais turmas em formação, o objetivo é expandir ainda mais nossos espaços físicos e pedagógicos, servindo de incubadora para que novos grupos floresçam. Desejamos que a Banda do Professor funcione como uma referência inspiradora: se alunos de outras turmas se sentirem motivados a formar suas próprias bandas e trilhar caminhos paralelos, estaremos aqui com toda a nossa estrutura e canais de divulgação para impulsioná-los.
Quanto à mensagem para os educadores, o meu convite é para rompermos paradigmas tradicionais. O ensino musical brasileiro ainda herda fortemente um modelo ortodoxo, eurocêntrico e excessivamente teórico, que muitas vezes cria um abismo imediato com as novas gerações. Impor partituras e regras abstratas antes de despertar o encantamento sonoro afasta e desmotiva os jovens. Precisamos ressignificar as práticas pedagógicas, tornando a música viva, afetiva e acessível à realidade do nosso tempo. E para as crianças e jovens que sonham com a música, a mensagem é que acreditem na sua própria voz e sensibilidade: a música não é apenas um exercício de repetição técnica ou desenvolvimento motor, mas uma das formas mais profundas de se expressar, tocar vidas e transformar a própria história.
ENGLISH
ANTONYEL PACHECO AND THE TEACHER'S BAND: WHEN MUSIC TRANSFORMS LIVES AND REACHES THE BIG STAGE
Exclusive Trilingual Interview | By Chris Herrmann | CH Multiartes Portal
A classroom, a few musical instruments, children discovering their abilities, and a teacher willing to explore new ways of teaching. This was the setting in São Luís, in the Brazilian state of Maranhão, where a story began that would reach far beyond the state's borders and capture the attention of thousands of people across Brazil.
At the helm of the Teacher's Band (Banda do Professor), musician and educator Antonyel Pacheco has developed an educational approach that values collective experience, listening, sensitivity, and freedom of expression. More than teaching notes, chords, and rhythms, his work seeks to help students understand music as a language capable of conveying emotions, strengthening self-confidence, and broadening horizons.
What began as musical gatherings in the living room of his own home grew into something remarkable. Spontaneous recordings of rehearsals began circulating on social media, reached millions of views, and caught the attention of celebrated Brazilian artists. Marcelo Bonfá shared and commented on the project's videos, Zé Ramalho also reposted performances by the young musicians, and Cazuza's official page, associated with the work of his mother, Lucinha Araújo, showed its appreciation for the initiative.
The achievements went well beyond the digital world. The Teacher's Band appeared on Altas Horas, the television program hosted by Serginho Groisman, took part in the LED Festival in Rio de Janeiro, and had the experience of sharing the stage with Ira! at Vibra São Paulo. For Antonyel, who grew up following his musical heroes in the pages of Guitar Player magazine and watching performances on MTV, these encounters represent the fulfillment of dreams that once seemed out of reach.
Yet perhaps the most interesting aspect of this journey lies in what social media numbers cannot show. Behind every performance is an educational process that respects each student's individual pace, encourages collaboration, and recognizes mistakes as an essential part of learning. In Antonyel's approach, the band works as a musical community in which every member plays an important role, regardless of who happens to be in the spotlight.
This philosophy also guides the way the project handles the public exposure of children and teenagers. Even as its popularity grows, the teacher emphasizes the importance of family involvement, protecting students' school routines, and choosing age-appropriate songs. From his perspective, success should never take priority over childhood or turn the musical experience into an obligation.
Another significant aspect is the project's commitment to the heritage of Brazilian music. By performing works by artists such as Belchior, Raul Seixas, Zé Ramalho, and Legião Urbana, the young musicians build a dialogue between generations and discover songs that have shaped the country's cultural history. The goal is not simply to revisit classics, but to understand their artistic richness and keep them alive through new interpretations.
The project also highlights an important reality of Brazil's cultural scene: initiatives born outside the country's major urban centers can gain national recognition and create opportunities for new talent. Antonyel says the Teacher's Band achieved considerable visibility in other regions before reaching a comparable level of recognition in its own state. One of his goals now is to turn that visibility into lasting opportunities for other young musicians and educators from Maranhão.
Professor Antonyel’s students | Photo: Personal archive
And the dreams continue. The next steps include creating original material, recording albums, expanding the band's performances, and strengthening the Music Space (Espaço Musical), where new groups can develop their own identities.
With a music education background from the Brazilian Conservatory of Music in Rio de Janeiro, postgraduate studies in Music Therapy at the University of Münster in Germany, and experience teaching piano privately to children, I recognize in this journey issues I have always considered essential: the relationship between music and human development, the importance of sensitivity in learning, and the educator's role in helping individuals discover their potential.
In this exclusive interview for CH Multiartes, Antonyel Pacheco shares the principles behind his work, the challenges of social media exposure, his experiences alongside major names in Brazilian music, and the projects he hopes to bring to life. Above all, he speaks about what gives meaning to his mission as a teacher: watching a child discover their own voice and realize that music can transform the way they experience the world.
THE INTERVIEW
1. Chris Herrmann: The Teacher's Band began as a music-teaching experience and gradually grew into something that perhaps you never imagined at the outset. When did you realize that your work with the students was moving beyond the boundaries of a music lesson and becoming a project with its own identity?
Antonyel Pacheco: We realized that we were building our own identity directly through our educational approach: structuring learning in a band format, recording these moments in a completely organic way, and creating a rotation system in which each student gets to experiment with different instruments. At first glance, this rotation may seem unusual. However, the intention is not to turn students into multi-instrumentalists overnight, but to give them a complete musical experience. Students need to feel the pulse and understand the rhythmic role of the drums, just as they need to grasp harmony and melodic textures.
As we developed this method and began recording rehearsals on video, we carried out several practical experiments. At no point did we consider copying ready-made formulas or moving away from our spontaneity. Social media often favors meticulously staged productions, with concert lighting and artificial sets, but we chose the opposite path: showing the reality of a lively, fluid, and genuine classroom. Our first recordings included the natural imperfections of the process, showing learning as it happened.
Over time, as the students matured musically and we invested in more precise audio and video equipment, we kept that original principle intact. Audiences began to notice every detail, every exchanged glance, and the children's genuine expressiveness. It was precisely by bringing together an inclusive teaching method and the authenticity of our daily routine that we realized the work had moved beyond an isolated lesson and become a project with its own voice and identity.
2.CH: Working with children and teenagers means understanding that each one has their own pace, abilities, and way of expressing themselves. How do you identify and develop each student's individual potential within a collective experience such as a band? And how do you make musical participation strengthen their confidence without encouraging comparisons or competition?
AP: Comparison and the urge to compete are natural impulses in human interaction; we cannot pretend they do not exist. Rather than ignoring them, our role as educators is to guide students toward recognizing their individuality and understanding their own limitations without feeling inferior. I particularly value students who arrive with no previous experience, much like someone learning to drive from scratch, without ingrained technical habits, because we can develop their musicality in a clear way that is connected to our method.
The central pillar of this work is building self-confidence. Shyness is merely an initial barrier that gradually disappears when students realize that making a mistake is not a reason for frustration or punishment, but a necessary and educational step toward getting it right. Fear of making mistakes is paralyzing; normalizing mistakes sets us free.
To prevent destructive competition, we work with the idea of a true "musical community," built on the same principle as a sports team: not everyone has the same prominent role at every moment, but every role is essential to the balance of the whole. If a student struggles with a particular passage, the group supports them and keeps the rhythm going. There is a fascinating phenomenon of collective self-regulation, similar to the classic physics experiment involving out-of-sync metronomes placed on a shared surface: over time, they naturally synchronize through resonance. In the band environment, shared experiences and rhythm help individual tempos come into harmony, teaching students to manage their egos, respect different stages of development, and build genuine confidence that extends beyond the classroom.
3.CH: Music has a special ability to awaken emotions and provide forms of expression that everyday communication does not always allow. In your work with the students, do you notice changes in the way they relate to others, communicate, or see themselves after they begin playing and singing? Could you share an experience that has been particularly meaningful to you as an educator?
AP: I always begin with a fundamental principle: music is the art of expressing feelings through sound. Before introducing theoretical formalities or complex rules of harmony, my first step is to work on listening and sensitivity to sound. I draw a clear parallel with language: musical notes are arranged like letters of the alphabet, combining to form words and messages. Just as a word can evoke affection, surprise, or sadness, chords carry that same emotional power.
In our first musical experiences, I introduce the sound of a major, minor, or dissonant chord and ask the students directly what they feel, what image or sensation it brings to mind. The result of this exploration is immediate: students stop seeing harmony as an abstract chord symbol and begin to understand it as an emotional narrative. They intuitively perceive tension, resolution, and melancholy. This perception deepens even when we analyze international songs, as they notice contrasts between the emotional weight of the chords and the meaning of the lyrics. We then discuss both aesthetic coherence and the techniques used in contemporary and commercial music, which sometimes deliberately subvert these conventions.
This immersion profoundly transforms the students' relationship with themselves and their surroundings. Seeing their eyes light up as they decode a sensation and realize they can express feelings that everyday words cannot reach is one of the most meaningful experiences of my teaching career. It is a pedagogy centered on sensation and active listening. I readily acknowledge that this approach requires openness and sensitivity; not every student responds to it, and that is part of the educational process. But those who connect with this proposal experience an expressive and human transformation that leaves a lasting mark on their development.
4.CH: The band's repertoire includes important names in Brazilian music, such as Legião Urbana, Zé Ramalho, Raul Seixas, and Pitty. How are the songs chosen? Is there also an intention to introduce new generations to artists and works that are part of Brazil's cultural history, creating a bridge between generations?
AP: The choice of this repertoire directly reflects our intention to promote a meaningful cultural revival. This is far from shallow nostalgia, the recurring idea that "everything was better in the past." It is a critical and conscious perspective on contemporary artistic production. We live in a time when the industry encourages disposable consumption, with short-lived tracks that often sacrifice harmonic, melodic, and poetic care. This does not mean demanding that every composition achieve the literary sophistication of a Chico Buarque song, but rather recognizing the importance of artistic commitment to songwriting.
From an educational standpoint, much of what receives massive attention today offers little substance for formative music education. That is why turning to masters such as Belchior, Zé Ramalho, Raul Seixas, and many others is a deliberate curricular and artistic choice. Their works helped shape the country's cultural identity and deserve to be preserved and kept alive.
By working with this repertoire alongside children and teenagers, we build a living bridge between different eras. We offer them a solid source of inspiration, sharpening their critical thinking and providing creative references for the future. This cultural revival has already produced real results around us. We see students and members of the community discovering and appreciating Brazilian classics with genuine enthusiasm, proving that good music does not grow old when it is presented with authenticity.
5.CH: The Teacher's Band videos have reached millions of views and brought extraordinary visibility to the young musicians. At the same time, children and teenagers need protection and guidance when they are exposed to the public. How do you manage the balance between sharing the work, valuing the students, and protecting their childhood and adolescence?
AP: This is a central and daily concern in our work. First of all, we need to distinguish educational visibility from inappropriate exposure. Harmful exposure occurs when a child is placed in situations unsuitable for their age, such as sexualized choreography or performing songs with explicit content. In our case, what we share is an educational example of childhood being valued: children and teenagers experiencing music in depth, playing real instruments, and performing classics that enrich their cultural development.
To maintain this balance and protect the members, we follow clear protocols in close cooperation with their families:
1. Careful repertoire selection and age-appropriate lyrics: We carefully review the songs. When necessary, we make specific adjustments to verses that are not appropriate for the children's level of maturity, ensuring a healthy musical experience.2. Age-appropriate appearance and conduct: We take care to ensure that clothing and body language respect the naturalness of childhood and adolescence, avoiding any form of adultification or artificial stage behavior.3. Protection of personal information and identity: We avoid tagging students by name or identifying them excessively in posts, keeping publications on the project's official channels. I also advise parents and students about the risks of using personal social media accounts too early or excessively.4. Communication and commitment with parents: We maintain ongoing, transparent dialogue with guardians. Our focus has never been a blind race for metrics or easy monetization. If our sole goal were algorithm-driven views, we would be exploiting superficial trends.What drives us is the educational and inspirational impact of the work: showing that it is possible to learn quality music with seriousness, affection, and absolute respect for each young person's time and integrity.
6.CH: One interesting aspect of the project is the participation of different students, with voices and instruments rotating among them. How does this work in practice? And how do you deal with the possibility that some members receive more public attention than others, especially when certain videos go viral?
AP: To understand this dynamic, it is essential to distinguish between the different levels of participation within the project. There is the Teacher's Band itself, our original and more experienced formation, which has a performance schedule and carries out professional artistic work. Then there are the various groups of students in training at the Music Space. The main band serves as a living source of inspiration for those who are just starting out. New students look up to these musicians with admiration rather than rivalry, seeing them as a concrete example of what they themselves can achieve.
In our classes, we work in groups, with the rotation of instruments and voices as the foundation of the method. Each group creates its own video productions, documenting its actual progress at that stage of learning. From time to time, we bring students from different levels together, enriching the musical experience and expanding the collective reach.
When it comes to visibility and viral content, we maintain very open communication with everyone. It is natural for more advanced groups or videos featuring certain songs to achieve impressive numbers, while beginner groups may initially receive more modest engagement. We encourage students and families to view these metrics in terms of the learning process: the videos serve as a historical and educational record of each person's development. When students understand that every stage has value and that the main goal is not to race against the algorithm, but to grow artistically and personally, the focus remains on music and mutual support.
7.CH: Taking part in the LED Festival and Altas Horas, as well as connecting with major figures in Brazilian rock, such as Nasi from Ira!, represents a significant experience for a project that began in a classroom. Which of these experiences surprised you the most? Was there ever a moment when you stopped and thought, "Look how far those first musical gatherings have brought us!"?
AP: This is undoubtedly the high point of our journey. It is the realization of a childhood dream: building direct connections with idols who have always been major influences on me. I remember being a boy, flipping through the pages of Guitar Player magazine or watching MTV, completely absorbed by the performances and seeing Edgard Scandurra with his unmistakable left-handed playing style. Back then, all of this seemed completely out of reach.
Seeing this circle come full turn through recognition from the very artists who created those works is indescribable. Marcelo Bonfá sharing and commenting on our Legião Urbana videos, Zé Ramalho reposting them, Cazuza's official page, through his mother Lucinha Araújo, showing us its support... Practically every artist we have paid tribute to has responded, warmly acknowledging the work of these children.
When we began our informal rehearsals in the living room, we did dream of receiving attention from those artists, but it seemed far away. Suddenly, we found ourselves invited to appear on Altas Horas with Serginho Groisman, participating in the LED Festival in Rio de Janeiro, and sharing the stage with Ira! at Vibra São Paulo. More than surprise, there is a profound feeling of fulfillment and wonder. It is impossible not to pause at certain moments, look at the boys playing alongside legends of Brazilian music, and think: "Look at what that first meeting in the classroom has become!"
8.CH: The Teacher's Band began in Maranhão and has gained visibility beyond the state's borders. Many cultural and educational projects developed outside major urban centers still face difficulties in achieving national recognition. What does this journey represent to you, and what doors would you like to open for other young artists and educators from Maranhão?
AP: This journey represents a breaking of paradigms. When we analyze our audience data and reach, we encounter a curious and fascinating reality: the largest concentration of our audience is precisely in Brazil's Southeast region and in other state capitals, such as São Paulo, Rio de Janeiro, and Belo Horizonte, followed by Fortaleza and Salvador, with São Luís adding to that strength. A phenomenon has emerged in which the project gained massive visibility outside Maranhão before achieving the same level of recognition within the state itself.
An artist's usual path is often to establish a presence in their local scene first and then seek opportunities in major centers. In our case, social media and the impact of our work reversed that logic: from our classroom in São Luís, we built direct bridges to some of the country's biggest stages.
My main purpose now is to turn this visibility into a permanent structure of opportunities, becoming a catalyst for others. The project has naturally revealed remarkable talent and become a breeding ground for young musicians. We are now working toward institutional consolidation so that the bridge we have built will not serve only the Teacher's Band, but become a viable path for other young artists and educators in our region. Seeing an essentially educational project from Maranhão achieve this kind of national reach is rare and rewarding. Our goal is to secure this foundation and use it to empower an entire new generation.
9.CH: As an educator, you closely follow not only each student's musical development but also their personal discoveries. Is there a story involving one of the members that made you realize, in a particularly powerful way, how much music can influence a child's or teenager's life?
AP: David's example captures this transformation very strongly: he is a young person who lives and breathes music around the clock. His relationship with art is visceral and spontaneous. In the same way, following the development of Bernardo, Yuri, Benjamim, and Hellena means witnessing daily human growth. We see initial shyness and hesitation give way to a confident and expressive attitude.
Music profoundly changes these children's daily lives, from their routines to the public recognition they receive at school and in the streets, where people ask for photographs and interviews. While we celebrate this attention, we remain vigilant to ensure that they stay grounded and that their childhood and education are protected.
The most significant impact, however, goes beyond stages and social media: music awakens a unique sensitivity, builds solid self-confidence, and opens up horizons and future possibilities that once seemed distant. Following this turning point up close, watching a child discover their own voice and recognize their value in the world through sound, is the most rewarding and transformative part of my mission as an educator.
10.CH: After so many achievements, what are the next dreams and projects for the Teacher's Band and the Bandinha do Professor? And what message would you give to other teachers, children, and teenagers who want music to become an important part of their lives?
AP: I often say that when you achieve a dream, it immediately unfolds and multiplies into new ones. For the Teacher's Band, the next major artistic step is to establish our own original work: composing our own songs, recording albums, and developing a consistent schedule of performances, always taking great care to preserve each member's school routine, leisure time, and childhood. The professional experience of performing on stage should be understood not as an exhausting obligation, but as a genuine source of pleasure and fulfillment for them.
For the Music Space and the other groups in training, the goal is to further expand our physical and educational facilities, serving as an incubator for new groups to emerge. We want the Teacher's Band to serve as an inspiring reference. If students from other groups feel motivated to form their own bands and follow parallel paths, we will be here with all our resources and promotional channels to support them.
As for my message to educators, I invite them to break with traditional paradigms. Music education in Brazil still strongly inherits an orthodox, Eurocentric, and excessively theoretical model that often creates an immediate gap between teaching and new generations. Imposing sheet music and abstract rules before awakening the joy of sound discourages and alienates young people. We need to rethink educational practices, making music vibrant, emotional, and accessible to the reality of our time. And to the children and young people who dream of music, my message is to believe in their own voices and sensitivity: music is not merely an exercise in technical repetition or motor development, but one of the deepest ways to express oneself, touch lives, and transform one's own story.
DEUTSCH
ANTONYEL PACHECO UND DIE BAND DES LEHRERS: WENN MUSIK LEBEN VERÄNDERT UND DIE GROSSEN BÜHNEN ERREICHT
Exklusives dreisprachiges Interview | Von Chris Herrmann | CH Multiartes-Portal
Ein Klassenzimmer, einige Musikinstrumente, Kinder, die ihre Fähigkeiten entdecken, und ein Lehrer, der bereit ist, neue Wege des Unterrichtens auszuprobieren. In diesem Umfeld begann in São Luís im brasilianischen Bundesstaat Maranhão eine Geschichte, die bald weit über die Grenzen des Bundesstaates hinausreichen und die Aufmerksamkeit Tausender Menschen in ganz Brasilien gewinnen sollte.
Als Leiter der Banda do Professor (Band des Lehrers) hat der Musiker und Pädagoge Antonyel Pacheco ein pädagogisches Konzept entwickelt, das gemeinschaftliche Erfahrungen, bewusstes Zuhören, Sensibilität und Ausdrucksfreiheit in den Mittelpunkt stellt. Seine Arbeit beschränkt sich nicht darauf, Noten, Akkorde und Rhythmen zu vermitteln. Vielmehr möchte er den Schülerinnen und Schülern Musik als Sprache näherbringen, mit der sich Gefühle ausdrücken, Selbstvertrauen stärken und neue Horizonte eröffnen lassen.
Was mit musikalischen Treffen im Wohnzimmer seines eigenen Hauses begann, nahm eine überraschende Entwicklung. Spontane Aufnahmen der Proben verbreiteten sich in den sozialen Netzwerken, erreichten Millionen von Aufrufen und erregten die Aufmerksamkeit bekannter brasilianischer Künstler. Marcelo Bonfá teilte Videos des Projekts und kommentierte sie, Zé Ramalho verbreitete ebenfalls Interpretationen der jungen Musiker, und die offizielle Cazuza-Seite, die mit dem Engagement seiner Mutter Lucinha Araújo verbunden ist, würdigte die Initiative.
Die Erfolge beschränkten sich nicht auf die digitale Welt. Die Banda do Professor trat in der Fernsehsendung Altas Horas auf, die von Serginho Groisman moderiert wird, nahm am LED-Festival in Rio de Janeiro teil und durfte beim Konzert von Ira! im Vibra São Paulo die Bühne mit der Band teilen. Für Antonyel, der schon als Junge seine musikalischen Idole in den Seiten der Zeitschrift Guitar Player und bei den auf MTV gezeigten Auftritten verfolgte, bedeuten diese Begegnungen die Erfüllung von Träumen, die einst unerreichbar schienen.
Doch vielleicht liegt das Interessanteste an dieser Entwicklung gerade in dem, was sich nicht an den Zahlen der sozialen Netzwerke ablesen lässt. Hinter jedem Auftritt steht ein pädagogischer Prozess, der das individuelle Tempo der Lernenden respektiert, Zusammenarbeit fördert und Fehler als unverzichtbaren Bestandteil des Lernens begreift. In Antonyels Konzept funktioniert die Band wie eine musikalische Gemeinschaft, in der jedes Mitglied eine wichtige Rolle spielt, unabhängig davon, wer gerade im Mittelpunkt steht.
Diese Philosophie bestimmt auch den Umgang mit der öffentlichen Präsenz der Kinder und Jugendlichen. Trotz der wachsenden Popularität betont der Lehrer, wie wichtig die Beteiligung der Familien, der Schutz des Schulalltags und eine altersgerechte Auswahl des Repertoires sind. Der Erfolg darf aus seiner Sicht niemals Vorrang vor der Kindheit haben oder das musikalische Erlebnis zu einer Verpflichtung machen.
Ein weiterer wichtiger Aspekt ist das Engagement für das musikalische Erbe Brasiliens. Mit Interpretationen von Künstlern wie Belchior, Raul Seixas, Zé Ramalho und Legião Urbana schaffen die jungen Musiker eine Verbindung zwischen den Generationen und entdecken Kompositionen, die die Kulturgeschichte des Landes geprägt haben. Es geht nicht nur darum, Klassiker wieder aufzugreifen, sondern ihren künstlerischen Reichtum zu verstehen und sie durch neue Interpretationen lebendig zu halten.
Das Projekt macht außerdem eine wichtige Realität der brasilianischen Kulturlandschaft sichtbar: Initiativen, die außerhalb der großen Zentren entstehen, können nationale Anerkennung gewinnen und neue Möglichkeiten für Talente schaffen. Antonyel berichtet, dass die Banda do Professor in anderen Regionen bereits große Bekanntheit erlangt hatte, bevor sie im eigenen Bundesstaat eine vergleichbare Resonanz erreichte. Eines seiner Ziele ist es nun, diese Sichtbarkeit in dauerhafte Chancen für weitere junge Musikerinnen und Musiker sowie für Pädagogen aus Maranhão umzuwandeln.
Schüler von Professor Antonyel | Foto: Privatarchiv
Und die Träume gehen weiter. Zu den nächsten Schritten gehören die Entwicklung eines eigenen Repertoires, die Aufnahme von Alben, mehr Auftritte und die Stärkung des Espaço Musical, in dem neue Gruppen ihre eigenen Formationen entwickeln können.
Mit einer musikalischen Ausbildung am Conservatório Brasileiro de Música in Rio de Janeiro, einem postgradualen Studium der Musiktherapie an der Universität Münster in Deutschland und Erfahrung im privaten Klavierunterricht für Kinder erkenne ich in dieser Entwicklung Themen, die ich stets für grundlegend gehalten habe: den Zusammenhang zwischen Musik und menschlicher Entwicklung, die Bedeutung von Sensibilität beim Lernen und die Rolle der Lehrenden dabei, individuelle Potenziale zu entdecken.
In diesem Exklusivinterview mit CH Multiartes spricht Antonyel Pacheco über die Grundsätze seiner Arbeit, die Herausforderungen der Präsenz in sozialen Netzwerken, die Begegnungen mit großen Namen der brasilianischen Musikszene und seine Zukunftspläne. Vor allem aber erzählt er davon, was seiner Aufgabe als Lehrer Sinn verleiht: ein Kind dabei zu begleiten, seine eigene Stimme zu entdecken und zu erkennen, dass Musik die eigene Art, in der Welt zu sein, verändern kann.
DAS INTERVIEW
1.Chris Herrmann: Die Banda do Professor entstand aus einer Erfahrung im Musikunterricht und entwickelte sich nach und nach zu etwas, dessen Ausmaß Sie zu Beginn vielleicht selbst nicht erwartet hatten. Wann wurde Ihnen bewusst, dass Ihre Arbeit mit den Schülerinnen und Schülern über eine Musikstunde hinausging und sich zu einem Projekt mit eigener Identität entwickelte?
Antonyel Pacheco: Die Erkenntnis, dass wir eine eigene Identität entwickelten, entstand unmittelbar aus unserem pädagogischen Ansatz: Wir strukturierten das Lernen im Format einer Band, hielten diese Momente auf völlig natürliche Weise fest und führten ein Rotationsprinzip ein, bei dem jeder Schüler verschiedene Instrumente ausprobieren kann. Auf den ersten Blick mag dieser Wechsel ungewöhnlich erscheinen. Es geht jedoch nicht darum, sofort vielseitige Instrumentalisten auszubilden, sondern darum, eine ganzheitliche musikalische Erfahrung zu ermöglichen. Die Schülerinnen und Schüler sollen den Puls spüren und die rhythmische Funktion des Schlagzeugs verstehen, ebenso wie sie Harmonie und melodische Klangstrukturen erfassen sollen.
Während wir diese Methode weiterentwickelten und begannen, die Proben auf Video aufzunehmen, führten wir verschiedene praktische Versuche durch. Zu keinem Zeitpunkt hatten wir vor, fertige Konzepte zu kopieren oder uns von unserer Spontaneität zu entfernen. In den sozialen Netzwerken werden häufig bis ins Detail inszenierte Produktionen bevorzugt, mit Bühnenbeleuchtung und künstlichen Kulissen. Wir entschieden uns jedoch für den entgegengesetzten Weg: Wir wollten die Realität eines lebendigen, dynamischen und authentischen Unterrichtsraums zeigen. Unsere ersten Aufnahmen enthielten die natürlichen Unvollkommenheiten des Prozesses und machten das Lernen in Echtzeit sichtbar.
Mit der Zeit, als die Schülerinnen und Schüler musikalisch reifer wurden und wir in präzisere Audio- und Videotechnik investierten, hielten wir an diesem Grundsatz fest. Das Publikum begann, jedes Detail, jeden Blickwechsel und den unverfälschten Ausdruck der Kinder wahrzunehmen. Gerade durch die Verbindung einer integrativen Methode mit der Authentizität unseres Alltags wurde uns klar, dass aus einer einzelnen Unterrichtsstunde ein Projekt mit eigener Stimme und Identität geworden war.
2.CH: Die Arbeit mit Kindern und Jugendlichen erfordert ein Verständnis dafür, dass jeder Mensch sein eigenes Tempo, seine Fähigkeiten und seine Ausdrucksweise hat. Wie erkennen und fördern Sie das individuelle Potenzial jedes Schülers innerhalb einer gemeinschaftlichen Erfahrung wie einer Band? Und wie gelingt es Ihnen, durch die musikalische Teilnahme das Selbstvertrauen zu stärken, ohne Vergleiche oder Konkurrenzdenken zu fördern?
AP: Vergleiche und der Drang zum Wettbewerb sind natürliche Impulse im menschlichen Zusammenleben; wir können nicht so tun, als gäbe es sie nicht. Anstatt sie zu ignorieren, besteht unsere Aufgabe als Pädagogen darin, die Denkweise der Schülerinnen und Schüler so zu begleiten, dass sie ihre Einzigartigkeit erkennen und ihre eigenen Grenzen verstehen, ohne sich minderwertig zu fühlen. Besonders schätze ich es, wenn jemand ohne Vorerfahrung zu uns kommt, ähnlich wie jemand, der ganz von vorne das Autofahren lernt und noch keine technischen Gewohnheiten mitbringt. So können wir seine Musikalität auf eine unverfälschte Weise und im Einklang mit unserer Methode entwickeln.
Die zentrale Säule dieser Arbeit ist die Stärkung des Selbstvertrauens. Schüchternheit ist lediglich eine anfängliche Hürde, die sich allmählich auflöst, sobald die Lernenden erkennen, dass ein Fehler kein Grund für Frustration oder Bestrafung ist, sondern ein notwendiger und pädagogisch wertvoller Schritt auf dem Weg zum richtigen Ergebnis. Die Angst vor Fehlern lähmt; Fehler als normalen Teil des Lernens anzuerkennen, befreit.
Um destruktiven Wettbewerb zu vermeiden, arbeiten wir mit dem Konzept einer echten „musikalischen Gemeinschaft“, die nach demselben Prinzip wie eine Sportmannschaft aufgebaut ist: Nicht jeder übernimmt ständig eine herausragende Rolle, aber jede Funktion ist für das Gleichgewicht des Ganzen unverzichtbar. Wenn ein Schüler bei einer bestimmten Passage Schwierigkeiten hat, fängt die Gruppe ihn auf und hält den Rhythmus aufrecht. Es gibt ein faszinierendes Phänomen kollektiver Selbstregulierung, vergleichbar mit dem klassischen physikalischen Experiment, bei dem zunächst unterschiedlich schwingende Metronome auf einer gemeinsamen Unterlage mit der Zeit durch Resonanz ganz natürlich synchron werden. Im Umfeld der Band sorgen das Miteinander und der gemeinsame Rhythmus dafür, dass sich die individuellen Tempi aufeinander abstimmen. So lernen die Kinder, ihr Ego zu kontrollieren, unterschiedliche Entwicklungsphasen zu respektieren und ein echtes Selbstvertrauen aufzubauen, das über die Grenzen des Unterrichtsraums hinausgeht.
3.CH: Musik besitzt eine besondere Fähigkeit, Gefühle zu wecken und Ausdrucksmöglichkeiten zu eröffnen, die in der alltäglichen Kommunikation nicht immer Raum finden. Beobachten Sie bei Ihren Schülerinnen und Schülern Veränderungen in ihrem Umgang mit anderen, ihrer Kommunikation oder ihrem Selbstbild, nachdem sie begonnen haben, zu spielen und zu singen? Können Sie von einer Erfahrung berichten, die Sie als Pädagogen besonders geprägt hat?
AP: Ich gehe immer von einer grundlegenden Prämisse aus: Musik ist die Kunst, Gefühle durch Klang auszudrücken. Bevor ich theoretische Formalitäten oder komplexe Harmonielehren einführe, besteht mein erster Schritt darin, das Zuhören und die Sensibilität für Klänge zu fördern. Dabei ziehe ich einen sehr deutlichen Vergleich mit der Sprache: Musikalische Noten werden ähnlich wie Buchstaben des Alphabets miteinander verbunden und bilden Wörter und Botschaften. So wie ein Wort Zuneigung, Überraschung oder Traurigkeit hervorrufen kann, tragen auch Akkorde diese emotionale Kraft in sich.
Bei den ersten musikalischen Erfahrungen spiele ich einen Dur-, Moll- oder dissonanten Akkord vor und frage die Kinder direkt, was sie empfinden und welches Bild oder Gefühl dadurch entsteht. Das Ergebnis dieser Erfahrung zeigt sich unmittelbar: Die Schülerinnen und Schüler betrachten Harmonie nicht länger als abstraktes Akkordsymbol, sondern beginnen, sie als emotionale Erzählung zu verstehen. Sie nehmen Spannung, Ruhe und Melancholie intuitiv wahr. Diese Wahrnehmung vertieft sich sogar bei der Analyse internationaler Lieder, wenn sie Gegensätze zwischen der emotionalen Wirkung der Akkorde und dem Inhalt der Texte erkennen. Dann sprechen wir sowohl über ästhetische Stimmigkeit als auch über die Mittel der zeitgenössischen und kommerziellen Musik, die diese Regeln mitunter bewusst unterlaufen.
Diese intensive Erfahrung verändert die Beziehung der Lernenden zu sich selbst und zu ihrer Umgebung grundlegend. Es gehört zu den prägendsten Erfahrungen meiner pädagogischen Laufbahn, zu sehen, wie ihre Augen leuchten, wenn sie ein Gefühl entschlüsseln und erkennen, dass sie Emotionen ausdrücken können, die mit alltäglichen Worten nicht erreichbar sind. Es ist eine Pädagogik, die auf Empfindung und aktivem Zuhören beruht. Natürlich erfordert dieser Ansatz Offenheit und Sensibilität. Nicht jedes Schülerprofil eignet sich dafür, und auch das gehört zum Bildungsprozess. Wer sich jedoch auf diesen Ansatz einlässt, erlebt eine ausdrucksstarke menschliche Entwicklung, die seine Bildung nachhaltig prägt.
4.CH: Das Repertoire der Band umfasst bedeutende Namen der brasilianischen Musik, darunter Legião Urbana, Zé Ramalho, Raul Seixas und Pitty. Wie werden die Lieder ausgewählt? Gibt es auch die Absicht, den neuen Generationen Künstler und Werke näherzubringen, die zur brasilianischen Kulturgeschichte gehören, und so eine Brücke zwischen den Generationen zu schaffen?
AP: Die Auswahl dieses Repertoires entspricht unmittelbar unserer Absicht, eine bewusste kulturelle Wiederentdeckung zu fördern. Es geht keineswegs um oberflächliche Nostalgie, also um die immer wiederkehrende Vorstellung, dass „früher alles besser war“, sondern um einen kritischen und bewussten Blick auf die zeitgenössische Kunstproduktion. Wir leben in einer Zeit, in der die Industrie den kurzlebigen Konsum fördert und Musikstücke hervorbringt, die häufig auf harmonische, melodische und poetische Sorgfalt verzichten. Das bedeutet nicht, dass jede Komposition die literarische Raffinesse eines Chico Buarque erreichen muss. Es geht vielmehr darum, die Bedeutung eines künstlerischen Anspruchs an das Lied anzuerkennen.
Aus pädagogischer Sicht bietet vieles von dem, was heute massenhaft Aufmerksamkeit erhält, nur wenig Substanz für eine fundierte musikalische Ausbildung. Deshalb ist die Beschäftigung mit Meistern wie Belchior, Zé Ramalho, Raul Seixas und vielen anderen eine bewusste Entscheidung für Unterricht und Kunst. Ihre Werke haben die kulturelle Identität des Landes geprägt und verdienen es, bewahrt und lebendig gehalten zu werden.
Wenn wir mit Kindern und Jugendlichen an diesem Repertoire arbeiten, schaffen wir eine lebendige Brücke zwischen verschiedenen Epochen. Wir bieten ihnen eine solide Inspirationsquelle, schärfen ihr kritisches Denken und geben ihnen kreative Orientierung für die Zukunft. Diese Wiederentdeckung hat bereits konkrete Ergebnisse hervorgebracht. Wir erleben, wie Schülerinnen und Schüler und auch die Gemeinschaft brasilianische Klassiker mit echter Begeisterung entdecken und wertschätzen. Das beweist, dass gute Musik nicht altert, wenn sie authentisch vermittelt wird.
5.CH: Die Videos der Banda do Professor haben Millionen von Aufrufen erreicht und den jungen Musikern eine außergewöhnliche Sichtbarkeit verschafft. Gleichzeitig benötigen Kinder und Jugendliche Schutz und Orientierung, wenn sie in der Öffentlichkeit stehen. Wie gelingt es Ihnen, die Arbeit zu präsentieren, die Schülerinnen und Schüler zu würdigen und zugleich ihre Kindheit und Jugend zu schützen?
AP: Das ist eine zentrale und tägliche Sorge in unserer Arbeit. Zunächst muss man zwischen pädagogischer Sichtbarkeit und unangemessener Öffentlichkeit unterscheiden. Schädliche Öffentlichkeit entsteht dann, wenn ein Kind in Situationen gebracht wird, die seinem Alter nicht entsprechen, etwa durch sexualisierte Choreografien oder die Interpretation von Liedtexten mit expliziten Inhalten. Was wir hingegen zeigen, ist ein pädagogisches Beispiel für die Wertschätzung der Kindheit: Kinder und Jugendliche erleben Musik intensiv, spielen echte Instrumente und interpretieren Klassiker, die ihre kulturelle Bildung bereichern.
Um dieses Gleichgewicht zu gewährleisten und die Mitglieder zu schützen, haben wir klare Regeln eingeführt, die eng mit den Familien abgestimmt sind:
1. Sorgfältige Repertoireauswahl und altersgerechte Texte: Wir prüfen die Kompositionen sorgfältig. Bei Bedarf nehmen wir gezielte Änderungen an Versen vor, die nicht dem Reifegrad der Kinder entsprechen, um eine gesunde musikalische Erfahrung zu gewährleisten.2. Altersgerechtes Auftreten und Erscheinungsbild: Wir achten darauf, dass Kleidung und Körpersprache die Natürlichkeit von Kindheit und Jugend respektieren, ohne jede Form von künstlicher Erwachsenendarstellung oder inszeniertem Bühnenverhalten.3. Schutz persönlicher Daten und der Identität: Wir vermeiden es, die Schülerinnen und Schüler in Beiträgen namentlich zu markieren oder übermäßig zu identifizieren, und konzentrieren die Veröffentlichungen auf die offiziellen Kanäle des Projekts. Außerdem kläre ich Eltern und Kinder über die Risiken einer zu frühen und übermäßigen Nutzung eigener sozialer Netzwerke auf.4. Abstimmung und Verantwortung gegenüber den Eltern: Wir pflegen einen kontinuierlichen und transparenten Dialog mit den Erziehungsberechtigten. Unser Fokus lag nie auf einem blinden Wettlauf um Kennzahlen oder einfache Monetarisierung. Wäre unser einziges Ziel die Reichweite durch Algorithmen, würden wir oberflächliche Trends ausnutzen.Was uns antreibt, ist die pädagogische und inspirierende Wirkung unserer Arbeit: Wir möchten zeigen, dass es möglich ist, hochwertige Musik mit Ernsthaftigkeit, Zuwendung und absolutem Respekt vor dem individuellen Tempo und der Integrität jedes jungen Menschen zu erlernen.
6.CH: Ein interessanter Aspekt des Projekts ist die Beteiligung verschiedener Schülerinnen und Schüler, wobei Stimmen und Instrumente wechseln. Wie funktioniert diese Dynamik in der Praxis? Und wie gehen Sie damit um, dass manche Mitglieder mehr Aufmerksamkeit vom Publikum erhalten als andere, insbesondere wenn einzelne Videos viral gehen?
AP: Um diese Dynamik zu verstehen, muss man zunächst die verschiedenen Ebenen der Beteiligung innerhalb des Projekts unterscheiden. Es gibt die eigentliche Banda do Professor, unsere ursprüngliche und erfahrenere Formation, die regelmäßig auftritt und eine professionelle künstlerische Arbeit entwickelt. Daneben gibt es die verschiedenen Schülergruppen, die sich im Musicalischen Raum in Ausbildung befinden. Die Hauptband dient denjenigen, die neu dazukommen, als lebendiges Vorbild und als Inspiration. Die neuen Schülerinnen und Schüler betrachten diese Kollegen nicht als Konkurrenten, sondern mit Bewunderung, als konkretes Beispiel für das, was sie selbst erreichen können.
Im Unterricht arbeiten wir in Gruppen, wobei der Wechsel zwischen Instrumenten und Stimmen die Grundlage unserer Methode bildet. Jede Gruppe entwickelt eigene Videoproduktionen, die den tatsächlichen Entwicklungsstand der jeweiligen Lernphase dokumentieren. Gelegentlich führen wir Schülerinnen und Schüler unterschiedlicher Niveaus zusammen. Das bereichert die musikalische Erfahrung und erweitert die gemeinsame Reichweite.
Was die Sichtbarkeit und die Verbreitung viraler Inhalte betrifft, pflegen wir einen sehr offenen Dialog mit allen Beteiligten. Es ist ganz natürlich, dass fortgeschrittenere Formationen oder Videos mit bestimmten Liedern hohe Aufrufzahlen erreichen, während Anfängergruppen zunächst eine geringere Resonanz erhalten. Wir ermutigen die Schülerinnen und Schüler und ihre Familien, diese Kennzahlen im Zusammenhang mit dem Lernprozess zu betrachten: Die Videos dienen als historisches und pädagogisches Dokument der Entwicklung jedes Einzelnen. Wenn die Lernenden verstehen, dass jede Etappe ihren Wert hat und das eigentliche Ziel nicht der Wettlauf mit dem Algorithmus, sondern die künstlerische und menschliche Entwicklung ist, bleiben die Musik und die gegenseitige Unterstützung im Mittelpunkt.
7.CH: Die Teilnahme am LED-Festival und an der Sendung Altas Horas sowie die Begegnung mit bekannten Persönlichkeiten des brasilianischen Rock, wie Nasi von Ira!, sind bedeutende Erfahrungen für ein Projekt, das in einem Klassenzimmer begonnen hat. Welche dieser Erlebnisse hat Sie am meisten überrascht? Gab es einen Moment, in dem Sie innegehalten und gedacht haben: „Unglaublich, wohin uns diese ersten musikalischen Begegnungen geführt haben!“?
AP: Das ist zweifellos der Höhepunkt unserer bisherigen Entwicklung. Es ist die Erfüllung eines Kindheitstraums: direkte Verbindungen zu Idolen aufzubauen, die für mich immer große Vorbilder waren. Ich erinnere mich daran, wie ich als Junge in den Seiten der Zeitschrift Guitar Player blätterte oder gebannt die Auftritte auf MTV verfolgte und Edgard Scandurra mit seinem unverwechselbaren Linkshänder-Spiel beobachtete. Damals schien all das völlig unerreichbar.
Zu erleben, dass sich dieser Kreis durch die Anerkennung der Künstler schließt, die diese Werke geschaffen haben, ist unbeschreiblich. Marcelo Bonfá teilte unsere Videos mit Liedern von Legião Urbana und kommentierte sie, Zé Ramalho veröffentlichte sie erneut, und die offizielle Cazuza-Seite würdigte uns über seine Mutter Lucinha Araújo. Praktisch alle Künstler, denen wir eine Hommage gewidmet haben, haben reagiert und die Arbeit dieser Kinder auf herzliche Weise anerkannt.
Als wir mit unseren ungezwungenen Proben im Wohnzimmer begannen, träumten wir zwar davon, dass diese Künstler auf uns aufmerksam würden, doch es schien weit entfernt. Plötzlich wurden wir zur Sendung Altas Horas mit Serginho Groisman eingeladen, nahmen am LED-Festival in Rio de Janeiro teil und standen beim Konzert von Ira! im Vibra São Paulo gemeinsam mit der Band auf der Bühne. Mehr als Überraschung ist es ein tiefes Gefühl der Erfüllung und des Staunens. Es ist unmöglich, nicht manchmal innezuhalten, die Jungen neben Legenden der brasilianischen Musik spielen zu sehen und zu denken: „Unglaublich, welche Dimension dieses erste Treffen im Klassenzimmer angenommen hat!“
8.CH: Die Banda do Professor entstand in Maranhão und hat weit über die Grenzen des Bundesstaates hinaus Aufmerksamkeit gewonnen. Viele kulturelle und pädagogische Projekte außerhalb der großen Zentren haben weiterhin Schwierigkeiten, nationale Anerkennung zu erreichen. Was bedeutet diese Entwicklung für Sie, und welche Türen möchten Sie für andere junge Künstler und Pädagogen aus Maranhão öffnen?
AP: Diese Entwicklung bedeutet einen Bruch mit bisherigen Vorstellungen. Wenn wir die Daten und die Reichweite unseres Publikums analysieren, stoßen wir auf eine interessante und faszinierende Realität: Der größte Teil unserer Zuschauerschaft befindet sich im Südosten Brasiliens und in anderen Hauptstädten wie São Paulo, Rio de Janeiro und Belo Horizonte, gefolgt von Fortaleza und Salvador, während São Luís ebenfalls zu dieser Reichweite beiträgt. Es ist ein Phänomen entstanden, bei dem das Projekt außerhalb von Maranhão eine große Bekanntheit erlangte, noch bevor es sich im eigenen Bundesstaat in vergleichbarem Umfang etablieren konnte.
Oft besteht der übliche Weg eines Künstlers darin, zunächst die eigene lokale Szene zu erobern und anschließend in den großen Zentren nach Möglichkeiten zu suchen. Bei uns haben die sozialen Netzwerke und die Wirkung unserer Arbeit diese Logik umgekehrt: Von unserem Unterrichtsraum in São Luís aus haben wir direkte Verbindungen zu den großen Bühnen des Landes geschaffen.
Mein wichtigstes Ziel ist es nun, diese Sichtbarkeit in eine dauerhafte Struktur von Möglichkeiten umzuwandeln und zu einem Impulsgeber zu werden. Das Projekt hat auf natürliche Weise bemerkenswerte Talente sichtbar gemacht und sich zu einem Nährboden für junge Musiker entwickelt. Wir befinden uns in einer Phase der institutionellen Festigung, damit die Brücke, die wir geschaffen haben, nicht nur der Banda do Professor dient, sondern auch für andere junge Künstler und Pädagogen unserer Region zu einem gangbaren Weg wird. Es ist selten und erfreulich, zu erleben, wie eine im Kern pädagogische Initiative aus Maranhão eine solche nationale Resonanz erreicht. Unser Ziel ist es, diese Grundlage dauerhaft zu sichern und damit eine ganze neue Generation zu fördern.
9.CH: Als Pädagoge begleiten Sie nicht nur die musikalische Entwicklung Ihrer Schülerinnen und Schüler, sondern auch ihre persönlichen Entdeckungen. Gibt es eine Geschichte eines Mitglieds, die Ihnen besonders eindrücklich gezeigt hat, welchen Einfluss Musik auf das Leben eines Kindes oder Jugendlichen haben kann?
AP: Das Beispiel von David bringt diese Veränderung besonders deutlich zum Ausdruck: Er ist ein junger Mensch, der rund um die Uhr für die Musik lebt und atmet. Seine Beziehung zur Kunst ist unmittelbar und spontan. Ebenso bedeutet es, die Entwicklung von Bernardo, Yuri, Benjamim und Hellena zu begleiten, täglich menschliches Wachstum mitzuerleben. Wir sehen, wie anfängliche Schüchternheit und Unsicherheit einer selbstbewussten und ausdrucksstarken Haltung weichen.
Musik verändert den Alltag dieser Kinder grundlegend, angefangen bei ihren Routinen bis hin zur öffentlichen Anerkennung in der Schule und auf der Straße, wo sie um Fotos und Interviews gebeten werden. Gleichzeitig wir diese Aufmerksamkeit feiern, bleiben wir wachsam, damit sie mit beiden Füßen auf dem Boden bleiben und ihre Kindheit sowie ihre schulische Entwicklung geschützt werden.
Die bedeutendste Wirkung geht jedoch über Bühnen und soziale Netzwerke hinaus: Musik weckt eine besondere Sensibilität, schafft ein solides Selbstvertrauen und eröffnet Horizonte und Zukunftsperspektiven, die zuvor weit entfernt schienen. Diesen Wendepunkt aus nächster Nähe mitzuerleben, zu sehen, wie ein Kind seine eigene Stimme entdeckt und durch den Klang seinen Wert in der Welt erkennt, ist der erfüllendste und prägendste Teil meiner Aufgabe als Pädagoge.
10.CH: Nach so vielen Erfolgen: Welche Träume und Projekte stehen als Nächstes für die Banda do Professor und die Bandinha do Professor an? Und welche Botschaft möchten Sie anderen Lehrern, Kindern und Jugendlichen mitgeben, die Musik zu einem wichtigen Teil ihres Lebens machen möchten?
AP: Ich sage oft, dass sich ein Traum, sobald man ihn verwirklicht hat, unmittelbar entfaltet und weitere Träume hervorbringt. Für die Banda do Professor besteht der nächste große künstlerische Schritt darin, ein eigenes Werk aufzubauen: eigene Lieder zu komponieren, Alben aufzunehmen und eine regelmäßige Konzerttätigkeit zu entwickeln. Dabei müssen wir selbstverständlich weiterhin sorgfältig darauf achten, den Schulalltag, die Freizeit und die Kindheit jedes Mitglieds zu schützen. Die professionelle Bühnenerfahrung soll nicht als anstrengende Verpflichtung verstanden werden, sondern als echte Quelle der Freude und Erfüllung für die Kinder.
Für den Espaço Musical und die weiteren Gruppen in Ausbildung besteht das Ziel darin, unsere räumlichen und pädagogischen Möglichkeiten weiter auszubauen und so einen Nährboden für neue Formationen zu schaffen. Wir möchten, dass die Banda do Professor als inspirierendes Vorbild dient. Wenn Schülerinnen und Schüler anderer Gruppen motiviert werden, eigene Bands zu gründen und parallele Wege einzuschlagen, stehen wir ihnen mit unserer gesamten Infrastruktur und unseren Kommunikationskanälen zur Seite.
Meine Botschaft an die Pädagogen lautet, traditionelle Paradigmen aufzubrechen. Die musikalische Ausbildung in Brasilien ist noch immer stark von einem orthodoxen, eurozentrischen und übermäßig theoretischen Modell geprägt, das häufig eine unmittelbare Kluft zu den neuen Generationen schafft. Notenblätter und abstrakte Regeln aufzuzwingen, bevor die Freude am Klang geweckt wurde, schreckt junge Menschen ab und demotiviert sie. Wir müssen unsere pädagogischen Praktiken neu gestalten und Musik lebendig, emotional und für die Lebensrealität unserer Zeit zugänglich machen. Und den Kindern und Jugendlichen, die von Musik träumen, möchte ich sagen: Glaubt an eure eigene Stimme und Sensibilität. Musik ist nicht nur eine Übung in technischer Wiederholung oder motorischer Entwicklung, sondern eine der tiefsten Möglichkeiten, sich auszudrücken, Menschen zu berühren und die eigene Geschichte zu verändern.
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